cinema helder magalhães

13.10.2011

2011-10-02T00:04:00.004+01:00

www.heldermagalhaes.pt

página oficial . web portfolio

ESCRITO na PEDRA

2011-08-15T12:02:00.015+01:00

As filhas do Mondego a morte escura,

longo tempo chorando memoraram;
e, por memória eterna, em fonte pura
as lágrimas choradas transformaram.
O nome lhe puseram que inda dura,
dos amores de Inês, que ali passaram.
Vede que fresca fonte rega as flores,

que lágrimas são água, e o nome amores.

Os Lusíadas, cant. III

FOTOS: HM

+ INFO: site oficial e wikipédia

IDINA MENZEL and the ROYAL PHILARMONIC ORCHESTRA

2011-06-24T12:09:00.007+01:00

CONDUCTED BY MARVIN HAMLISCH

ONE NIGHT ONLY!

POSTER: Going Down in LA-LA Land

2011-05-18T21:45:00.005+01:00

Going Down in LA-LA Land

2011-05-01T14:37:00.005+01:00

Estreia hoje "Going Down in LA-LA Land", o novíssimo filme do realizador Casper Andreas, no Festival de Cinema Gay e Lésbico de Miami.

Um filme imperdível e que eu muito orgulhosamente apresento e recomendo, por ter feito uma pequeníssima contribuição para o seu lançamento (o meu nome aparece lá para o fim, nos Special Thanks).

Baseado no livro homónimo de Andy Zeffer, o filme dá-nos uma visão intrigante e verdadeira da Hollywood dos tempos modernos. Mostra-nos como a amizade é importante para seguirmos em frente com os nossos objectivos; um conto que reflecte a nossa cultura obsessiva de nos tornarmos celebridades; um olhar revelador sobre aqueles que anseiam e desejam ser amados, adorados e bajulados a qualquer custo.

Os leitores habituaram-se a gostar dos imperfeitos e falhados, mas sinceros e simpáticos, personagens Adam (Mathew Ludwinski) e Candy (Allison Lane). Agora, os espectadores terão a oportunidade de os ver e seguir numa autêntica e louca viagem em Hollywood, com todos os bons momentos que dela farão parte.

O filme chegará cá a Portugal pelas minhas mãos - ou pelos menos esperemos que sim - e prometo levá-lo a todo o país, com estreia (já pensada) em Lisboa. Até lá, fiquem com as primeiras (e únicas) imagens do trailer:

http://embrem.com/lalaland (ainda em construção)

II Gala TV7 Dias

2011-04-18T23:13:00.002+01:00

"Caldeirada (Poluição)"

2011-04-07T21:44:00.002+01:00

voz HELENA SARMENTO

letra ALBERTO JANES

viola PAULO FARIA DE CARVALHO

guitarra portuguesa SAMUEL CABRAL

maquilhagem MARTA SOARES

produção ENTRAR EM PALCO

assistência de realização HÉLDER MAGALHÃES

realização FREDERICO CORADO

"Fado dos Meus Passos"

2011-04-07T21:25:00.006+01:00

voz HELENA SARMENTO

letra JOÃO GIGANTE-FERREIRA

viola PAULO FARIA DE CARVALHO

guitarra portuguesa SAMUEL CABRAL

maquilhagem MARTA SOARES

produção ENTRAR EM PALCO

assistência de realização HÉLDER MAGALHÃES

realização FREDERICO CORADO

"Vá Desta Para Melhor!"

2011-04-07T21:20:00.002+01:00

Fast Forward Portugal, Braga, 2011

ELIZABETH TAYLOR

2011-03-23T20:58:00.008Z

(1932 - 2011)

Dificilmente encontrarei palavras suficientes que consigam descrever a afeição que tenho pela Elizabeth Taylor. Foi provavelmente a última Diva do cinema americano, em toda a sua forma e conteúdo; pela beleza, pela paixão, pelo talento, pelo brilho, fulgor e entrega em todo e qualquer papel que interpretou, mas acima de tudo pelo seu lado humano e pelo muito que fez e contribuiu na luta contra a Sida.

Liz Taylor é inesquecível e gosto de pensar que teve uma vida longa, feliz e completa. Ficará agora na nossa memória como a rainha (e a mulher) mais apaixonante, insaciável e obstinada que o cinema alguma vez conheceu. E nós agradecemos-lhe por isso.

OSCARS 2011

2011-02-28T11:24:00.031Z

Aconteceu ontem. Los Angeles, Hollywood e o Kodak Theatre aperaltaram-se para a maior e mais glamorosa noite do ano, mas a vitória é festejada na Europa, com "O Discurso do Rei" a sair vencedor de 4 bons Oscars, de entre os 12 para que estava nomeado: Melhor Filme, Melhor Realizador, Melhor Argumento Original e Melhor Actor Principal.

Como sempre, há quem consente e há também quem discorde por completo da escolha da Academia; para mim, não deixou de ser uma surpresa, embora a competição deste ano tivesse sido bastante equilibrada. Só lamento o esquecimento de Shutter Island, de Martin Scorsese, que nem uma mísera nomeação levou para casa...

Filme O Discurso do Rei

Actor Num Papel Principal Colin Firth, por "O Discurso do Rei"

Actriz Num Papel Principal Natalie Portman, por "Cisne Negro"

Realizador Tom Hooper, por "O Discurso do Rei"

Cinematografia A Origem

Actriz Num Papel Secundário

Melissa Leo, por "O Último Round"

Actor Num Papel Secundário

Christian Bale, por "O Último Round"

Argumento Adaptado A Rede Social

Argumento Original

O Discurso do Rei

Filme em Língua Não Inglesa Num Mundo Melhor (Dinamarca)

Curta Metragem de Animação The Lost Thing

Longa Metragem de Animação Toy Story 3

Banda-Sonora Original A Rede Social

Canção Original Randy Newman, por "We Belong Together" (Toy Story 3)

Mistura de Som A Origem

Edição de Som A Origem

Edição de Imagem A Rede Social

Maquilhagem O Lobisomem

Direcção Artística Alice no País das Maravilhas

Documentário de Curta Metragem Strangers No More

Curta Metragem God of Love

Documentário de Longa Metragem Inside Job - A Verdade da Crise

Efeitos Visuais A Origem

Guarda-Roupa Alice no País das Maravilhas

EM CARTAZ:

2011-02-25T11:37:00.014Z

The King's Speech / O Discurso do Rei

de Tom Hooper

Há uma estranha, e contudo curiosa, beleza dramática na História britânica que desde sempre me apelou ao interesse. Talvez seja essa a razão de querer escrever sobre “O Discurso do Rei”, mas, ainda assim, quem resiste a uma dinastia Tudor dominada pelo ciúme e pela traição? Digo, a um Henry VIII pinga-amor, a uma sangrenta Queen Mary I ou a uma eterna Virgem, Elizabeth I? E se for uma apaixonada (e apaixonante) rainha Victoria, que ao lado do seu Albert vingou no Amor e na Arte, ou, para puxarmos a brasa à nossa sardinha, quem resiste a uma lutadora D. Catarina de Bragança que muito fez pelos costumes ingleses que perduram até aos dias de hoje?

São apenas exemplos, é certo, meros nichos cronológicos numa História, por vezes paralela à nossa, que muito ainda tem para oferecer. Uma História e uma Cultura, acima de tudo, porque a Cultura não deixa de ser um subproduto da História. Com efeito, “O Discurso do Rei” tem uma significativa contribuição nesse aspecto. Cinge-se a esta última dinastia, a de Windsor, numa acção que se dissipa entre as décadas de 30 a 40 do séc. XX.

Foi ainda sob o reinado da apaixonada Victoria que nasceu Albert Frederick Arthur George, seu bisneto. Foi o segundo filho de George Frederick Ernest Albert, futuro rei George V do Reino Unido, pelo que muito dificilmente lhe estaria destinado o trono britânico. O seu irmão mais novo teve uma morte prematura e Edward David, o irmão mais velho, sempre foi o filho favorito de George V. Nunca teve, portanto, uma infância particularmente feliz, apesar de todas as mordomias monárquicas; era repreendido pelo pai, faltava-lhe afecto, as aias de nada ajudavam, maltratavam-no, sentia-se intimidado pelo irmão e isso trouxe-lhe graves consequências que o marcaram para a vida: a sua gaguez.

Com a morte de George V, Edward David sobe ao trono como rei Edward VIII, mas por lá não fica durante muito tempo: em menos de um ano, Edward VIII anuncia publicamente a sua paixão por uma americana a caminho do segundo divórcio e que, com ela, pretendia contrair matrimónio. Abdica do trono a favor do amor e, imagine-se, quem lhe sucede na lista é mesmo Albert George, ou rei George VI, o gago, então casado com Lady Elizabeth, posteriormente conhecida como Rainha Mãe. Sejamos sinceros: trata-se de uma história particularmente curiosa; pensamos sempre quais seriam as probabilidades de tal acontecer. E, para nossa sorte, nada disto foi esquecido em “O Discurso do Rei”, muito embora toda esta vertente histórica de que se fala tenha ficado para segundo plano.

Em boa verdade, o filme pretende ser mais do que a recriação dos factos. Senão vejamos: ainda antes do seu marido subir ao trono, Lady Elizabeth terá travado conhecimento com um tal de Lionel Logue, um dúbio terapeuta da fala vindo da Austrália. Convence o marido, Albert George, então Duque de York, a experimentar as “práticas incomuns e pouco ortodoxas”, mas infalíveis no tratamento da gaguez, exclusivas deste suposto terapeuta credenciado, perfeito em dicção, mas péssimo a interpretar Shakespeare. Albert acede, mas cedo se arrepende; o seu temperamento não é propriamente compatível com os métodos de Lionel Logue. Entre remorsos e embaraçosos discursos, Albert decide voltar à terapia como esperança última de conseguir articular correctamente as palavras. É impressionante as dificuldades que demonstra em manter um discurso sem lapsos, pausas abruptas, espasmos musculares e outros descuidos, seja em público ou junto de familiares e amigos. Lionel Logue não desiste, muito convicto nos seus próprios métodos e nas suas capacidades, procura uma relação de amizade e confiança com Albert George, porque só assim se chegaria ao sucesso.

“O Discurso do Rei”, na sua essência, explora a relação entre Lionel Logue e o rei George VI, ou Bertie, como lhe veio a chamar. Focaliza-se numa amizade que quebrou muitos limites, impensáveis numa casa real britânica. Mostra a inteira confiança que um rei deposita num suposto “doutor” que lhe promete milagres; e Bertie, já farto de berlindes e de cigarros compulsivos, aceita as condições impostas e despreza as habituais intrujices religiosas.

Lionel Logue terá acompanhado George VI até ao final dos seus dias, ajudando-o em todos os seus discursos e emissões radiofónicas dirigidas ao Império Britânico. Contudo, este “Discurso do Rei” está limitado num tempo muito concreto, mas não é por acaso que isso acontece. Efectivamente, foi no final da década de 30 que despoletou a Segunda Guerra Mundial. Neste contexto, os discursos da casa real britânica ganharam mais ênfase e uma importância decisiva na História do Reino Unido, especialmente porque foram proferidos por um rei gago. É um facto bastante curioso, mas Lionel Logue estava lá, fez progressos impressionantes, mas muito se deve também à força de vontade de um rei que supera os medos e os fantasmas do passado, perante a obrigação e a responsabilidade monárquica.

“O Discurso do Rei”, embora se prenda neste tema de grande interesse, não chega a ser um filme surpreendente nem impressionante, mas com certeza é merecedor de todas nomeações de que tem sido alvo. Destaca-se, sem qualquer sombra de dúvida, por um Colin Firth gago e tímido, impaciente e corajoso, como George VI, claro; por um Geofrey Rush humilde, honesto e perspicaz, como Lionel Logue; e por uma glamorosa e encantadora Helena Bonham Carter como Lady Elizabeth, não desconsiderando os rigorosos e frios Goerge V e Winston Churchill, este último também desprezível, respectivamente interpretados pelos veteranos Michael Gambon e Timothy Spall.

Tom Hooper faz um trabalho incerto. Por vezes bastante linear e académico, sem nada de novo, e por vezes zonzo, em planos enjoativos que quase nos fazem entrar pela garganta de George VI adentro - não sei se terá sido muito feliz nessa escolha, embora se compreenda perfeitamente a intenção. A mise-en-scène é extraordinária, como de resto se esperaria que fosse, mas, nesta área técnica, Alexandre Desplat ganha aos pontos por uma exímia banda sonora original que, esta sim, nos entra pelos ouvidos e garganta adentro sem nos enjoar.

Relembra-se que “O Discurso do Rei” tem 12 nomeações para os Oscars da Academia; parece-me a mim que, infelizmente, não terá muita sorte e será um dos grandes condenados da cerimónia, não arrecadando mais do que umas escassas duas ou três estatuetas, incluindo a de Melhor Actor Principal que pode ser já dada com certa. Mas convém deixarmos margem para as surpresas, porque os Oscars, de uma maneira ou de outra, acabam sempre por nos surpreender. É a missiva deles, ou pelo menos assim parece ser; ficaremos, portanto, ansiosos pelos resultados.

SE AZUL SE ATREVE

2011-02-23T21:44:00.009Z

Puxar-nos o Futuro

Numa altura em que toda a cultura portuguesa, mercê da globalização, se descaracteriza, é no fado que está a preservar-se a nossa mais genuína identidade. Daí a revitalização nele observada através de novas gerações de grandes intérpretes.

Helena Sarmento afirma-se, pelo estilo próprio, voz singular, repertório original, comunicabilidade envolvente, uma referência nesse movimento já irreversível. O seu presente CD coloca-a, a partir de agora, na primeira linha dos fadistas fadados para puxar-nos o futuro.

Fernando Dacosta

Não deixem de ouvir (nem de comprar) este lindíssimo álbum FADO AZUL, de Helena Sarmento, e principalmente não deixem de ver os videoclips para os fados "Fado dos Meus Passos" e "Caldeirada (Poluição)", que brevemente deverão estar disponíveis, e dos quais, muito orgulhosamente, fui assistente de realização.

www.myspace.com/ahelenasarmento

EM CARTAZ:

2011-02-07T16:31:00.023Z

You Will Meet A Tall Dark Stranger / Vais Conhecer O Homem Dos Teus Sonhos

de Woody Allen

Há uma estranha simplicidade nos filmes de Woody Allen que me surpreende a cada visualização. Não que os esteja a rever constantemente, mas antes a ver: é notável a extensividade da sua filmografia, particularmente se considerarmos a sua frequente presença (em complemento à realização) como argumentista, actor, produtor, e por aí adiante... Independentemente desta tão curta frequência entre exigentes trabalhos, o certo é que um Woody Allen é sempre diferente do anterior, embora numa estética semelhante, sem nunca ser mau ou surpreendentemente bom, mas sobretudo sem perder de vista uma linha tão lúcida e inteligente na acção explorada.

Mas "Vais Conhecer O Homem Dos Teus Sonhos" é substancialmente diferente do que se tem visto, ou que o autor tenha feito até então. Em boa verdade, parte da sua mais recente filmografia se encontra direccionada para este lado quase introspectivo, ou antes, convergindo para uma moralidade que se baseia nos mais diversos estereótipos. Aconteceu em "Tudo Pode Dar Certo" ("Whatever Works" [2009]), protagonizado por Larry David, e acontece também agora, desta feita com Anthony Hopkins no papel principal e ao lado de Josh Brolin, Naomi Watts e Gemma Jones.

Filmado numa Londres moderna e actual, o filme reflecte sobre esta família, pai, mãe, filha e genro, cada um com as suas vulnerabilidades na vida pessoal e profissional. Fala-nos das dificuldades em aceitar a velhice, e a posterior e louca transformação num jovem de outrora, caindo nos mais variados erros que assomam a (quase) terceira idade; fala-nos da solidão e de como isso nos faz acreditar em videntes charlatãs que prevêem o óbvio ou o que queremos ouvir; fala-nos da inconformidade de um casamento, das dificuldades económicas e do insucesso profissional; fala-nos da inspiração artística, enquanto fio condutor da criação e enquanto razão absoluta para o adultério; mas fala-nos também da esperança e de que, apesar das adversidades, acabamos sempre por conhecer "o homem dos nossos sonhos".

Assim é este novo Woody Allen, desprovido de informação adicional, muito objectivo e conciso, e que cedo nos desperta para a sua intenção, pela criatividade narrativa, reflexiva e humorística; no essencial, como Woddy Allen nos tem, desde sempre, habituado.

CINEMA: Burlesque

2011-02-06T16:40:00.028Z

Burlesco, de toda e qualquer maneira!

É o que acontece quando se junta Cher, a Diva das Divas, com Christina Aguilera, uma das mais extraordinárias vozes do nosso tempo. Adiciona-se um amável e sarcástico Stanley Tucci e toda uma panóplia de talentosas bailarinas que burlescamente adoçam os números musicais.

Muito embora este "Burlesque" tenha um dos mais básicos argumentos dos últimos (muitos) anos - o que não é, de todo, surpreendente - o resultado final não deixa de ser positivo. Talvez por me dedicar demasiado às artes de palco, e particularmente ao musical, tenha desconsiderado esse princípio, embora não seja uma atitude propriamente ética perante o contexto cinematográfico. Esclareça-se então esse ponto: "Burlesque" é o exibicionismo e o exuberante; são as plumas e as pérolas a adornar um escasso, mas extravagante, guarda-roupa; é o chapéu preto e a cadeira num palco envolto em fumo, numa única silhueta que o único projector permite. "Burlesque" é isso, porque mais não pretende ser.

A gloriosa Cher é Tess, dona teimosa e orgulhosa do Burlesque Lounge. Já teve dias melhores: por um lado pressionada pelo banco ao pagamento de umas hipotecas, por outro lado pressionada por um visionário investidor multimilionário, que já há muito lhe quer ficar com o bar e transformar a fabulosa Sunset Boulevard, em Los Angeles, para seu próprio proveito.

A talentosa Christina é Ali, de Alice; em boa verdade, uma campónia do Iowa, empregada de mesa num bar de segunda, mas com uma extraordinária vontade de mudar de vida e vingar no mundo do show biz, como cantora e bailarina. Deixa o pouco que tinha para trás e aventura-se em LA, como todos os comuns mortais, até se deparar com o dúbio, mas atraente, Burlesque Lounge.

Claramente que o argumento não terá muito por onde fugir, tendo em conta que o começo também não o é propriamente original - lembremo-nos, por exemplo, do "Coyote Ugly" (2000). Mas não creio que este filme, em particular, queira ser visto por esse lado. Fala-se aqui de um filme que pretende, acima de tudo, celebrar um estilo teatral que prima pelo bruto, pelo grotesto, pela sátira ou pela comédia; este será o estilo burlesco, no seu conceito mais básico, aqui muito bem representado, ou recriado, em elegantes elementos cénicos, ou em pequenas encenações que preenchem as noites do Burlesque Lounge, compondo os espectáculos criados por Tess (e posteriormente encabeçados por Ali), mas também nas coreografias claramente inspiradas em Fosse e no seu Cabaret, e nos figurinos, ricos e deslumbrantes, que adornam cada uma das talentosas mulheres (e por vezes homens) que estão em palco, incorporando Marylin Monroe's em playbacks que poucos gostam de assistir - mas isso também fará parte do conceito e da estética do burlesco.

"Burlesque" teve um propósito e conseguiu-o alcançar, embora da forma mais básica. Mas esperar-se-ia muito mais? Eu creio que não, apesar de ter havido pano para muita, mas muita manga. Em parte, o "Moulin Rouge" (2001) teve um propósito semelhante e, sejamos sinceros, conseguiu-o alcançar de uma forma bastante melhor e completamente original (exceptuando as músicas), embora enquadrado numa época dominada pela Boémia - e o boémio é claramente diferente do burlesco.

Importa apenas acrescentar que por este "Burlesque" aparecem temas musicais extraordinários e muito bem interpretados, quase todos enquadrados em números coreográficos inigualáveis, que no conjunto formam pequenas encenações cuidadosamente pensadas. Diria: muita luz, muito fumo, muita cor, muitos glitters e muito queer!

Christina Aguilera dá-se bem melhor a cantar do que a representar, embora esta sua passagem pelo cinema, prevejo, será repetida num outro qualquer papel semelhante; e a Cher é a Cher, por mais que se possa dizer...

Definitivamente, é preciso uma Lenda para se fazer uma Estrela.

CHER's monologues...

2011-01-27T20:06:00.009Z

(...)

- You see, we have to have lots of hair color and lots of beads and lots of costume changes, because, if I don't, Drag Queens all over America will be calling each other going "Oh my God, I saw the Cher show: no costume changes, no beads... do you think she's lost the will to live?"

- And no, I haven't!

[while old guy cheers and waves at Cher]

- You're kind of an old guy to be waving at me, aren't you?...

- I like old guys. Yes, get down on your bad self! I like to see that... Funky old guys...

- No, it's cool! When my hair is really white I wanna be rocking too... that should be about fifteen minutes from now.

- But my mother looks great, my grandmother looks great, so... it's in the genes.

[audience cheers]

- Thank you! Yes. Take that, you BITCHES!

- Haha! I have been doing this for forty freakin' years, ok?!

- I would have done... you know what? I have one thing: do everything you can do NOW. Ok? I wish I'd been a bad ass girl, and I was pretty bad too, but I wish I was worse. You know, I should have done all those things... I... I went "Should I do this? Should I do this?". The hell with it. DO IT!

- You could always look back and go "Shit! I shouldn't have done that!".

- That's my one advice to you young kids: just do it!

CHER @ Farewell Tour, Miami, 2003

@ the Southwark Playhouse:

2011-01-26T12:25:00.001Z

From the heady cynicism of ‘Ladies who Lunch’ to the life affirming ‘Being Alive’, Sondheim’s depiction of modern urban life is intoxicating and startlingly potent.

Para um iminente 2011:

2010-12-30T18:32:00.040Z

Como medir um ano?

Foi provavelmente a pergunta mais frequente de Jonathan Larson, quando escreveu o musical Rent, no início da década de 90. Dizia ele:

São 525 mil e 600 minutos,

525 mil e 600 momentos tão queridos,

525 mil e 600 minutos.

Como consegues tu medir um ano?

Em amanheceres, em pores-do-sol, em meias-noites,

em chávenas de café, em polegadas, em milhas,

em sorrisos e discussões.

São 525 mil e 600 minutos.

Como consegues medir um ano na tua vida?

As possibilidades de resposta são infindáveis, porque, embora não o pareça, um ano é tempo suficiente para que muito possa acontecer e mudar, e definir (ou medir) um ano que seja na vida de uma pessoa é uma tarefa bem mais difícil do que se possa pensar.

Poucos o sabem, mas este 2010 não foi propriamente um bom ano para mim; pelo menos não terá correspondido às minhas mais baixas expectativas - digo-o essencialmente a nível pessoal. Nem tudo foi mau, adivinha-se isso, mas acho que perdi mais do que aquilo que ganhei. Há até quem diga que mudei... Cá para mim, sei que sempre fui o mesmo, sem nunca abandonar as minhas convicções, mas se de facto mudei, então espero que tenha sido para melhor: talvez precise disso, agora mais do que nunca.

Mas e então? Como medir um ano? Pondero todas as decepções que tive? (e acreditem que foram muitas) Balanço-as com as novas amizades que ficam para a vida? Desiquilibro-as com tudo o que era suposto dar certo e que, contra todas as probabilidades, acabou por dar errado?...

A letra continua, no seu original:

How about love?

Measure in love.

Seasons of love.

Mas será uma palavra suficiente para definir um ano de uma vida? (ou a minha em particular?)

Pareceu-me mais do que apropriado recordar Rent para a mensagem de Ano Novo, dadas as circunstâncias... Poderia, eventualmente, ter-me referido ou baseado em Stephen Sondheim e, mais particularmente, na canção Send In The Clowns como fiz o ano passado, porque também este ano me tiveram particular e estimada importância. E, embora noutros aspectos, também poderia ter recordado Orson Welles e o seu clássico Citizen Kane. Mas optei por Rent, assim sem contar, espontaneamente, impulsivamente... O subconsciente tem sempre as suas razões e pouco ou nada posso fazer para o contrariar.

Por isso, com a maior das simplicidades, escrevo os votos e os desejos a um novo ano que agora vai começar: que as lágrimas de 2010 passem a sorrisos de 2011.

Mais do que isso, é exagerar nos pedidos.

Agora é tempo de cantar,

embora a história nunca acabe.

Vamos celebrar e relembrar um ano

na Vida de amigos.

Tenham um FELIZ ANO 2011!

p.s. O musical Rent estreou na Broadway a 29 de Abril de 1996 e por lá ficou durante 12 anos consecutivos. Jonathan Larson faleceu a 25 de Janeiro de 1996, aos 35 anos de idade, e nunca viu a sua obra-prima.

CHER's monologues...

2010-12-26T17:10:00.010Z

[Dressing her serious outfit]

(...)

- And what's an outfit without a wip?

- So, what did you think of my entrance?

- Yes, it was very fabulous, wasn't it? That actually has worked great in every place, but Cleveland. And... in Cleveland, the chandelier came down and I was hanging up there like some sort of a... transvesti piñata. It was very sad... and a little scary. But, you know, I don't care 'cause I wanted to make this show really fabulous. And I wanted it to be really fabulous because it's the last time I'm doing it.

- You know what? Gimme a freakin' break, ok? I have been an evil freakin' Diva for fourty freakin' years!

- And there's all these young girls and they're all coming to take... well, they're not gonna take my place, but they're gonna take somebody's place.

JLo and Britney and all those girls, you know...

Anyway, you wanna know the truth why I wanna make it so fabulous? I've a motive, ok? And that is, I thought, I'm gonna make this show so fabulous and then I'm gonna say: Follow this, you bitches!

CHER @ Farewell Tour, Miami, 2003

Votos de um FELIZ NATAL

2010-12-24T10:55:00.010Z

Este ano é em dueto, com a Mariah e a Patricia Carey. Mãe e filha, pela primeira vez:

, do

Helder.

Por fim em DVD

2010-11-21T11:23:00.001Z

Lançamento a 26 de Novembro.

London, 2010

2010-11-19T12:00:00.001Z

South of London - Gatwick Airport

Piccadilly Circus

Minding the Gap!

Embankment

Westminster

The cab! - The peak of chic!

Christmas is all around me, and so the feeling grows.

Trafalgar Sq.

St. James Park - heading to Harrods

À volta com as malas...

2010-11-11T21:22:00.003Z

... e de volta a Londres.

imagem daqui

Guy Fawkes Night

2010-11-05T09:49:00.002Z

Remember, remember the Fifth of November,

The Gunpowder Treason and Plot,

I know of no reason

Why the Gunpowder Treason

Should ever be forgot.

Guy Fawkes, Guy Fawkes, t'was his intent

To blow up the King and Parli'ment.

Three-score barrels of powder below

To prove old England's overthrow;

By God's providence he was catch'd

With a dark lantern and burning match.

Holla boys, Holla boys, let the bells ring.

Holloa boys, holloa boys, God save the King!

And what should we do with him? Burn him!

Tonight

2010-10-31T17:27:00.004Z

Wicked

Happy Halloween! :)

No baile de máscaras

2010-10-19T21:38:00.004+01:00

(...) entre todos os grupos que se entregavam às mais loucas extravagâncias, num grupo que se apertava em redor de um personagem cuja máscara, de aspecto original, macabro, fazia sensação...

Este personagem vestia todo de escarlate com um enorme chapéu de penas numa caveira. Ah! a bela imitação de caveira que ali estava! Os jovens em seu redor achavam-no um grande êxito, felicitavam-no... perguntavam-lhe em que mestre, em que atlier, frequentado por Plutão, lhe tinham feito, desenhado, pintado, uma tão bela caveira! (...)

O homem da caveira, com chapéu de plumas e roupas escarlates, arrastava atrás de si um enorme manto de veludo vermelho cuja flâmula se estendia realmente sobre o soalho; e sobre este manto tinham bordado a letras de ouro uma frase que todos liam e repetiam em voz alta: «Não me toquem! Sou a Morte vermelha que passa...!» (...)

Gaston Leroux

in Le Fantome de L'Opera

2010-09-30T21:43:00.005+01:00

GLORIA STUART

(1910 - 2010)

ARTHUR PENN

(1922 - 2010)

TONY CURTIS

(1925 - 2010)

Imperdível!

2010-09-29T10:56:00.004+01:00

Ruthie Henshall canta as Divas dos musicais!

Em Londres, próximo 31 de Outubro.

(Ah! falhei por pouco...)

"Manhã Submersa": 30 anos depois.

2010-09-20T22:29:00.004+01:00

Ver o blogue aqui.

S de prostração

2010-09-17T21:22:00.003+01:00

Quis escrever, mas nada se revelou além do silêncio. As palavras entorpecidas, como membros atrofiados, tolhidos. Apoderava-se de mim a mudez dos sentimentos.

Deprimido. Definhado. Esmorecido.

Quis escrever, mas não fui capaz porque sentia demasiado - e acometo-me facilmente ao lixo sentimental. Excedia-me inexplicavelmente na tristeza, agressivo, mergulhado no profundo esquecimento de quem amo (ou amava?).

Imemoriado. Perdido. Aniquilado.

E alguém mais se importará da minha Existência?

J.L.

Noites de Verão, noites de cinema #2

2010-08-21T11:56:00.012+01:00

E as noites continuaram, com menos calor, mas sempre com cinema.

Nos cartazes:

Ziegfeld Follies (1945), de Vincente Minnelli, com Fanny Brice (entre muitos outros)

Greenberg (2010), de Noah Baumbach, com Ben Stiller

Les Parapluies de Cherbourg (1964), de Jacques Demy, com Catherine Deneuve

Bande à part (1946), de Jean-Luc Godard, com Anna Karina

The Postman Always Rings Twice (1946), de Tay Garnet, com Lana Turner

Funny Girl (1968), de William Wyler, com Barbra Streisand

The Big Spleep (1946), de Howard Hawks, com Lauren Bacall

O Sangue (1989), de Pedro Costa, com Pedro Hestnes

Salt (2010), de Philip Noyce, com Angelina Jolie

J'ai Tué Ma Mère (2009), de Xavier Dolan, com Xavier Dolan

Smiles of a Summer Night (1955), de Ingmar Bergman, com Eva Dahlbeck

EM CARTAZ:

2010-08-20T17:36:00.014+01:00

Salt

de Philip Noyce

Parece ser a pergunta mais óbvia: quem é Salt? O novo filme de Philip Noyce, ontem estreado em Portugal, levanta frequentemente essa questão, ou não seria esse o verdadeiro propósito do filme - uma interessante e curiosa trama de espionagem e acção, maravilhosamente encabeçada por Angelina Jolie, bem ao gosto de James Bond.

Evelyn Salt, agente da CIA, é suspeita de colaborar com a Rússia, esperando o momento do ataque, conhecido como Dia X, em solo americano desde que para lá foi enviada, ainda criança. A um ritmo acelerado e entusiástico, a trama desenvolve-se e revela-se mais misteriosa do que aparenta, um facto já comum em filmes do género. Contudo, Salt difere pela feminilidade e ganha (muito) com isso. Mais do que questões políticas, que podiam, ou não, ser verdade - não importa - o filme centra-se em Salt, Evelyn Salt, na sua história, enquanto mulher e máquina de guerra, única e a melhor do seu tipo. Sem nunca perder a elegância (e beleza), joga com o que tem à mão, vive o impulso, mas pondera, estuda e acaba sempre por vencer. Assim funciona Salt, sempre fiel aos seus instintos, lutando por aquilo para que foi treinada, mas acima de tudo lutando pela justiça.

19 de Agosto: Dia Mundial da Fotografia

2010-08-19T14:23:00.006+01:00

I still need the camera because it is the only reason anyone is talking to me.

If I didn't have my camera to remind me constantly 'I am here to do this', I would eventually have slipped away, I think. I would have forgotten my reason to exist.

Annie Leibovitz, fotógrafa

FOTO: HM

Noites de Verão, noites de cinema

2010-08-14T11:54:00.033+01:00

Assim tem sido, mais intensivamente durante esta semana, as longas noites de verão e de bom cinema, seja na sala da Zon, ou na sala de minha casa.

Nos cartazes:

Inception (2010), de Christopher Nolan, com Leonardo DiCaprio

The Informant! (2009), de Steven Soderbergh, com Matt Damon

Joyeux Noel (2005), de Christian Carion, com Daniel Brül

The Green Mile (1999), de Frank Darabont, com Tom Hanks

Oliver! (1968), de Carol Reed, com Ron Moody

The Princess and the Frog (2009), de Ron Clements e John Musker , com Anika Noni Rose

Un Prophéte (2009), de Jacques Audiard , com Tahar Rahim

Into the Woods (TV) (1990), de James Lapine (musical de Stephen Sondheim), com Bernardette Peters

Wall Street (1987), de Oliver Stone, com Michael Douglas

Ragtime (1981), de Milos Forman, com James Cagney

(500) Days of Summer (2009), de Marc Webb, com Joseph Gordon-Levitt

Zorba the Greek (1964), de Mihalis Kakogiannis, com Anthony Quinn

EM CARTAZ:

2010-07-25T20:44:00.010+01:00

The Ghost Writer / O Escritor Fantasma

de Roman Polanski

Curiosa, esta reaparição de Roman Polanski após toda a polémica que circundou o autor nos últimos meses: enquanto trabalhava numa narrativa envolta nos bastidores, entenda-se fantasmas (também), da política britânica, o próprio autor deparava-se com as seus próprios fantasmas...

Porque a questão aí reside, se o público será capaz dessa distinção, entre a realidade e a ficção, ou se o trabalho, excepcional, de Polanski acabará denegrido, injustamente. Parece-me que não, mas também me parece que ainda é cedo para o sabermos.

O Escritor Fantasma é, em boa verdade, um dos melhores trabalhos do autor - e confesso-me, também, como grande admirador dos seus filmes. Este, em particular, prima pela tendência quase realista, não fosse a ficção, ao fundir-se maravilhosamente com o que de mais físico e céptico há na realidade. Aliado a um exímio trabalho de cinematografia (de Pawel Edelman, já frequente nos últimos filmes de Polanski), que de muito contribui para essa visão térrea da realidade, O Escritor Fantasma exemplifica a façanha política, a mentira e a manipulação que assombra toda e qualquer sociedade. Esta é uma realidade, e não havia forma mais verdadeira de a contar a não ser pelas mãos de Roman Polanski.

INCEPTION, entre o sonho e a realidade

2010-07-14T21:24:00.009+01:00

O anúncio magistral que reflecte a incidência (e insistência) dos grandes estúdios em publicitarem os seus filmes. Inception - Origem, o novo filme de Christopher Nolan, que estreia já na próxima semana em Portugal, deixa cada vez mais água na boca. Independentemente dos tempos de crise de que se fala, a publicidade é sempre um investimento a ter em conta - os custos chegam, por vezes, a atingir um valor semelhante ao do próprio filme. Este não fugiu à regra, espalhado por vários edifícios nova iorquinos, onde os sonhos tornam-se mesmo realidade.

E porque não trazer um nicho dessa cultura publicitária (e publicista, essencialmente) para a cinematografia portuguesa?

ScifiMafia

THE SOPRANOS: Made In America

2010-07-11T19:46:00.045+01:00

A magnificiência técnica a favor da arte?

Este texto cinge-se a uma interpretação pessoal e contém spoilers.

O último episódio de The Sopranos é o perfeito exemplo de como a técnica, quando exímia e pensada, pode traduzir-se na mais bela forma artística de contar histórias. Na verdade, só um autor capaz do pleno controlo da sua obra, aliado a um bom trabalho de montagem, conseguirá um feito com esta complexidade e dimensão, o que é quase raro em televisão, embora não totalmente em séries produzidas pela HBO.

O episódio foi largamente criticado em todo o mundo, aquando da sua exibição, tanto pelas melhores, como pelas piores razões, particularmente pela última cena que, apesar de explícita, não tem um entendimento tão fácil e directo como seria esperado, acabando mesmo por ser muito incompreendida (e mal recebida) pelo público em geral. Nela, e para quem está recordado, somos presenteados com um conjunto de planos, usualmente designados por POV (de Point of View) que mostram não mais do que o espaço ou a situação através do olhar (visão) de um determinado personagem. O conceito é conseguido ao intercalar o plano POV entre dois planos (usualmente apertados, o close up) que indicam a reacção do personagem, antes e depois, perante o que vê.

A cena constrói-se nessa perspectiva, essencialmente segundo o que Tony vê e (pres)sente. Introduz-nos ao local - um bar de esquina -, assimilando-o pormenorizadamente; tomamos conhecimento do lugar onde Tony se senta - mesmo em frente à porta de entrada e lateralmente posicionado em relação à casa de banho -, onde o conceito de espaço e de tempo torna-se fundamental, imprescindível até. Só estando atento à forma como o espaço nos é oferecido é que compreendemos as restantes sucessões de planos POV: de facto, não haveria lugar onde Tony ficasse mais desprotegido do que aquele, adjacente aos lavabos, onde é dada a devida ênfase assim que um certo indivíduo de ar suspeito lá entra; além disso, ali mesmo em frente à entrada, estrategicamente posicionado e para receber a família prestes a chegar. O tilintar do sino da porta anuncia a chegada, dando início a cada um dos planos POV. Repare-se no erguer do olhar, seguido do plano com o exacto ponto de vista do personagem, terminando com um novo plano apertado mostrando a sua reacção. Os planos POV assim se vão repetindo, restando apenas Meadow, a filha, que, embora atrasada, marca o momento essencial da cena: vê-mo-la a chegar, Tony ergue o olhar no momento em que disso se apercebe, mas no exacto e preciso segundo em que deveria ser intercalado o plano POV com o ponto de visão de Tony Soprano, surge-nos...

Não vemos.

Não ouvimos.

Mas sentimos, tal como Tony, porque, afinal de contas, este é o seu ponto de vista.

A total escuridão... da morte.

Eis a cena:

EM CARTAZ:

2010-07-11T19:02:00.015+01:00

Shirin

de Abbas Kiarostami

Por fim estreou em Portugal um dos últimos filmes do iraniano Abbas Kiarostami. Um excelente exemplo da versatilidade cinematográfica, aqui transformada numa antítese: a simplicidade leva-nos a uma das mais extraordinárias complexidades dramáticas conseguidas em cinema. São 114 rostos, de actrizes iranianas e uma europeia (Juliette Binoche), filmados em plano apertado durante 90 minutos. Assistem a uma encenação - pensamos que sim, porque nada disso é mostrado - de Shirin e Khosrow, uma das mais belas e lendárias histórias de amor da Pérsia.

114 reacções femininas, de todas as gerações, e nada mais que isso, cada uma revendo a sua própria história de amor em Shirin (talvez por isso o filme tenha tomado como título apenas o nome da personagem feminina). E repare-se que não se trata de uma exploração dos sentimentos femininos, mas antes uma valorização dos gestos, do olhar enigmático, dos lábios contorcidos, traduzidos numa certa falsidade ou veracidade emotiva - antítese, novamente. E, por curiosidade ou não, vemo-nos reflectidos naquelas reacções, partilhamos das suas expressões, porque o sentimento é recíproco.

Recomenda-se vivamente!

Uma resposta...

2010-07-06T21:18:00.006+01:00

... e uma reflexão linguística, religiosa e cultural!

Nota máxima!

ESCRITO na PEDRA

2010-06-20T21:54:00.016+01:00

"E em breve os nossos males

esqueceram ante a incomparável beleza

daquela serra bendita."

AQUI+DESCANSA

ENTRE+OS+SEUS

+ JOSÉ+MARIA +

EÇA+DE+QUEIROZ

1845+1900

Foto: HM

D de solidão

2010-05-24T23:11:00.003+01:00

Se há tormento que me ocupa a mente, se há medo que me consome o corpo ou suplício que vagueia quem sou, então esse tormento, medo ou suplício só tem um nome, o nome da solidão. No singular, é a saudade; no plural, são os violinos uníssonos mesclados com as teclas compridas de um piano que me fazem recordar-te a preto e branco. É a voz límpida e cristalina que sobressai, rezando um cântico judaico moribundo que chora quem um dia foste; e são os sons graves que me tocam no fundo de um coração que há muito já não existe, gasto por alimentar a nossa condição. É a música que daqui nasce e floresce; e são as lágrimas pesadas de sentimentos, receosas por te ver uma vez mais e dizer-te que ainda te desejo.

Mas aceito o fim. Aquele que impuseste. E porque assim o quiseste, inconsciente.

J.L.

CINEMA: The Thin Red Line / Barreira Invisível

2010-05-10T22:55:00.049+01:00

por Helder Magalhães

Em 1962, James Jones remonta aos seus tempos de soldado e publica The Thin Red Line, uma obra singular que viria a ser um dos seus mais conhecidos romances; demasiadamente verdadeiros e inspirados no que experienciou, este, em particular, foi adaptado por duas vezes em cinema, nos anos de 1964 e 1998.
Na década de 60 o cinema centralizou-se na Europa, entre Godard e Truffaut, o novo cinema de rua e de carácter independente traduzia-se num certo liberalismo que os americanos dificilmente compreendiam. É neste contexto de incerteza que surge a primeira adaptação de The Thin Red Line que não ficou indiferente à crise instalada. Transparece uma certa rigidez nos planos, como se houvesse uma fórmula de criatividade; um filme de linhas rectas e que não dá azo a muitas conjecturas, mas The Thin Red Line de Andrew Marton é uma adaptação muito coerente, realista e fiel do romance.
Quase 35 anos depois, Terrence Malick filma um novo The Thin Red Line. A seu jeito, Malick traz-nos uma Barreira Invisível quase metafísica. O relato da batalha de Guadalcanal ganha uma forma pesarosa, talvez influenciada pela introspecção narrativa, onde as palavras e as frases têm uma densidade desmedida. O filme é dotado de uma sensibilidade inigualável, a cinematografia é igualmente espantosa e a banda sonora é sublime.

A origem de uma história

James Jones (1921 - 1977), nascido e criado no Estado de Illinois, alistou-se no Exército Norte Americano em 1939, tendo servido o país antes e durante a II Guerra, onde, particularmente, combateu na afamada (dadas as adversidades ambientais) batalha de Guadalcanal, contra o exército Japonês. Foi a sua experiência no campo de batalha e o gosto pela literatura que o inspiraram a escrever um conjunto de romances que, no fundo, discutiam a alteração das capacidades físicas e mentais do ser humano, quando exposto à Guerra.
O primeiro livro, que se revelou uma das suas obras-primas (vencedor do National Book Award em 1952 e listado entre as 100 melhores obras literárias do séc. XX), Até à Eternidade (From Here to Eternity), de 1951, partia do ataque japonês em Pearl Harbor, testemunhado por James Jones em pessoa; mais tarde, o romance teria uma adaptação cinematográfica (1953) e duas adaptações televisivas (em 1979 e 1980).
Mas foi em 1962, e após de uma tentativa falhada de publicação de uma autobiografia, que James Jones remonta aos seus tempos de soldado e publica The Thin Red Line, uma história de sobrevivência e companheirismo, directamente influenciada pela batalha na ilha de Guadalcanal. Na verdade, The Thin Red Line (ou, na tradução, Barreira Invisível), reporta metaforicamente à frente militar usualmente composta por escassos soldados, mas que se mantinham firmes perante as forças militares atacantes. Efectivamente, este viria a ser um dos mais conhecidos romances do autor, demasiadamente verdadeiros e inspirados no que experienciou, tendo sido adaptado por duas vezes em cinema, em 1964 e em 1998. A primeira dessas adaptações, sob realização de Andrew Marton, embora siga um conjunto de cânones e academismos cinematográficos, consegue transmitir uma série de valores, digamos, muito pouco usuais para aquela década - muito se deve, creio eu, à singularidade do livro de James Jones e pela narrativa introspectiva que deixa transparecer.

A década de 60 no cinema americano
O certo é que na década de 60 o cinema virou-se muito para o que a Europa produzia. Dividido entre os Godards e os Truffauts, o novo cinema de rua e de carácter independente traduzia-se num certo liberalismo (e experimentalismo) que os americanos dificilmente compreendiam e, salvo raras excepções (veja-se o caso de O Doutor Estranhoamor, de Stanley Kubrick, igualmente estreado em 1964), o cinema americano dessa época perdeu alguma força de estilo e de criatividade. Na verdade, o ano de 1963 acabou por ficar marcado na história como o pior ano de estreias americanas, com apenas 121 filmes; além disso, terá sido precisamente em 1964 que o número de estreias de filmes estrangeiros (361) ultrapassou o número de produções americanas (161), nos Estado Unidos. Filmes como Cleopatra (1963), de Joseph L. Mankiewicz, revelou-se um verdadeiro falhanço nas bilheteiras, muitos estúdios tiveram de ser vendidos e reconvertidos em supermercados e centros comerciais, dezenas de artefactos que outrora perteceram às grandes estrelas de cinema foram leiloados e, numa réstia de esperança, o Hollywood Walk of Fame (Passeio da Fama) foi inaugurado. Foram, de facto, números excessivamente alarmantes e reveladores dos tempos de dificuldade que a indústria estava a passar. Por isso, grande parte dos estúdios optaram por investir em produções televisivas (independentes e mais enconómicas) e em reduzir custos de produção dos filmes, principalmente por mover equipas de produção para Inglaterra, onde já seriam capazes de produzir filmes de grande orçamento, mas com custos de produção incrivelmente mais baixos. A tática mostraria ser um sucesso e, com isso, surgem belíssimos filmes como Lawrence da Arábia e O Doutor Jivago, em 1962 e 1965, respectivamente, ambos realizados pelo britânico David Lean.

The Thin Red Line: 1964, 1998, 2010
É neste contexto de incerteza que surge a primeira adaptação de The Thin Red Line que não ficou indiferente à crise instalada. As dificuldades são visíveis, o orçamento é baixíssimo, pois a produção é independente, mas com qualidade. Também transparece uma certa rigidez nos planos, como se houvesse uma fórmula de criatividade; um filme de linhas rectas e que não dá azo a muitas conjecturas - um facto que, no entanto, pode não ser tão bem visto tendo por base a história de James Jones -, mas acredito que The Thin Red Line de Andrew Marton seja uma adaptação muito coerente, realista e fiel do romance. O trato feito aos soldados, ao seu subconsciente, ainda que por vezes de forma muito linear, consegue abordar em toda a sua transversalidade temas como a morte, o vazio, o medo, a frustração, o terror, a homossexualidade... enfim, um filme realmente notável que conseguiu contornar as dificuldades da época ao fundir-se com uma extraordinária história que merecia ser mostrada.

Quase 35 anos depois, Terrence Malick, curiosamente natural de Illinois (à semelhança de James Jones), filma um novo The Thin Red Line. Malick é um exímio realizador, perspicaz e perscutador, com uma filmografia muito própria e selecta (e, por isso, pequena).
As circunstâncias em que ambos os filmes surgem são incomparáveis (repare-se no elenco), embora também o sucesso desta adaptação tivesse sido condicionada com a estreia de blockbusters. Contudo, a história continua a ser de James Jones, indiscutivelmente marcante, mas a sensibilidade de Terrence Malick não podia ser mais evidente. A seu jeito, Malick traz-nos uma Barreira Invisível quase metafísica. Extremamente ponderado e de ritmo compassado, o grupo de soldados da Companhia C é visto de uma perspectiva completamente diferente do que nos é comum em filmes do mesmo género. O relato da batalha de Guadalcanal ganha uma forma pesarosa, talvez influenciada pela introspecção narrativa, onde as palavras e as frases têm uma densidade desmedida. Da mesma forma, somos atravessados por um conjunto de acções que facultam reacções distintas em cada um dos soldados: o medo, o terror, a morte, a insanidade...
O filme é dotado de uma sensibilidade inigualável e que só seria atingível sob direcção de Terrence Malick. A cinematografia é igualmente espantosa, pormenorizada, de olhar fixo e definido; e a colmatar, a sublime banda sonora de Hans Zimmer.

Actualmente, com a comemoração dos 65 anos do final da II Guerra Mundial, o tema tem vindo a ser cada vez mais discutido, não só no cinema, mas principalmente em documentários e séries televisivas. O melhor exemplo disso está na recente mini-série The Pacific, produzida por Steven Spielberg e por Tom Hanks, estabelecendo um paralelismo com um trabalho (igualmente televisivo) que ambos tinham feito há 9 anos atrás: Band of Brothers.

The Thin Red Line e The Pacific cruzam-se na batalha de Guadalcanal, apenas comparável à batalha defrontada em Bastogne, anteriormente vista em Band of Brothers. É quase um ciclo vicioso e a II Guerra Mundial consegue alimentar esse ciclo pelas inúmeras histórias já contadas e pelas que ainda estão por contar. As bravuras devem ser reconhecidas, mas também não devemos esquecer todo um lado atroz e dilacerante, quase desumano, proprcionado por batalhas como estas. É neste núcleo de emoções que se erguem as obra de James Jones, de Andrew Marton e de Terrence Malick e é também neste núcleo que se criam outras obras como The Pacific e Band of Brothers.

FOTOGRAMA vs. FOTOGRAFIA #3

2010-05-09T13:57:00.009+01:00

Fotograma do filme "The Imaginarium of Doctor Parnassus" (2009), com direcção de Terry Gilliam, uma obra bastante curiosa e que muito deixa transparecer o insólito e o absurdo dos Monty Pyton, numa Londres híbrida, dividida entre o medieval e o contemporâneo.

Fotografia de Helder Magalhães, Londres, 2008.

One short day...

2010-05-05T23:03:00.004+01:00

"I am the Guardian of the Gates and since you demand to see the Great Oz I must take you to his palace. But first you must put on the spectacles."

"Why?" asked Dorothy.

"Because if you did not wear spectacles the brightness and the glory of the Emerald City would blind you. Even those who live in the City must wear spectacles night and day. They are all locked on, for Oz so ordered it when the City was first built, and I have the only key that will unlock them."

L. Frank Baum

in The Wonderful Wizard of Oz

Ma memoire sale

2010-04-17T21:57:00.004+01:00

Lave
Ma mémoire sale dans son fleuve de boue
Du bout de ta langue nettoie moi partout
Et ne laisse pas la moindre trace
De tout ce qui me lie et qui me lasse
Hélas

Chasse

Traque-la en moi, ce n'est qu'en moi qu'elle vit

Et lorsque tu la tiendras au bout de ton fusil

N'écoute pas si elle t'implore

Tu sais qu'elle doit mourir d'une deuxième mort

Alors... tue-la encore

Pleure
Je l'ai fait avant toi et ça ne sert à rien
A quoi bon les sanglots, inonder les coussins
J'ai essayé, j'ai essayé
Mais j'ai le coeur sec et les yeux gonflés
Mais j'ai le coeur sec et les yeux gonflés

Alors brûle

Brûle quand tu t'enlises dans mon grand lit de glace

Mon lit comme une banquise qui fond quand tu m'enlaces

Plus rien n'est triste, plus rien n'est grave

Si j'ai ton corps comme un torrent de lave

Ma mémoire sale dans son fleuve de boue
Lave, lave
Ma mémoire sale dans son fleuve de boue
Lave

Alex Beaupain

Na rubrica O PÁTIO DAS CONVERSAS...

2010-04-11T17:44:00.004+01:00

Jorge Pelicano, realizador documentarista, tem presença confirmada!

Frequentemente associado ao trabalho de reporter de imagem para a SIC, Jorge Pelicano realiza o seu primeiro documentário "Ainda há Pastores?", em 2006, que o popularizou ao sair vencedor de importantes prémios nacionais e internacionais.

Em 2009, estreia "Pare, Escute, Olhe", o seu segundo documentário, agora em circuito comercial, arrecadando numa mesma noite 6 grandes prémios do cinema documental português, no Cine'Eco e no DocLisboa.

Uma conversa imperdível, só n'O Pátio das Conversas.

Pare, Escute, Olhe

2010-04-09T10:54:00.005+01:00

O brilhante documentário de Jorge Pelicano, sobre a linha do Tua, estreou ontem nos cinemas. Uma excelente notícia sobre um filme imperdível, vencedor de inúmeros prémios nacionais no CineEco e no DocLisboa.

E a propósito disso mesmo, haverá novidades para breve...

O PÁTIO DAS CONVERSAS

2010-04-06T19:19:00.007+01:00

#1 Jorge Paixão da Costa, realizador de cinema

HM – Jorge Paixão da Costa, em primeiro lugar, obrigado pela disponibilidade e por ter aceite o meu convite para esta conversa.

Indo, então, directo ao assunto, creio que a melhor forma de começarmos seria por falar dos seus primeiros trabalhos na arte cinematográfica. Ao que consegui apurar, no inicio da sua carreira trabalhou em alguns filmes como assistente de realização - embora também tenha vindo a exercer esse cargo em produções mais recentes. Suponho que um dos primeiros realizadores com quem trabalhou tenha sido o Lauro António. Que memórias guarda desses tempos? Entendia-os como uma fase de aprendizagem ou achava-os tão aborrecidos que não via a hora de começar a fazer um filme só seu?

JPC – Guardo muito boas memórias desse tempo que coincide com o meu regresso a Portugal após uma década a viver na Suécia onde me licenciei na Universidade de Estocolmo em Cinematografia. Trabalhar com o Lauro António foi um excelente arranque de carreira.

Já pensava nos meus filmes, mas queria ver e observar os outros a trabalhar daí o meu longo assistanato de oito anos.

HM – Fernando Lopes: um realizador por quem eu tenho muita estima e também um realizador com quem o Jorge já teve oportunidade de trabalhar. E o mesmo digo para outros realizadores como José Fonseca e Costa e António-Pedro Vasconcelos, com quem o Jorge já trabalhou. Foi fácil adaptar-se ao processo de criação de cada um dos realizadores, não só estes que referi, mas de todos com quem trabalhou? Encontrou muitas dificuldades e atritos (que queira partilhar) entre si e algum realizador em particular?

JPC – Apenas colaborei com o Fernando Lopes na preparação do Fio do Horizonte e cultivei uma amizade que ainda hoje prezo. Quanto ao meu trabalho como António Pedro e o José Fonseca foram de maneira diferente grandes momentos de aprendizagem e camaradagem. Reincidi, pois fiz mais que um filme com cada um deles, sempre com muito entusiasmo e acreditando nos projectos.

HM - Jorge, agora uma pergunta que não posso deixar de lhe fazer. Em 2008, o seu filme "O Mistério da Estrada de Sintra" esteve a concurso no Festival de Cinema "Famafest", curiosamente dirigido pelo Lauro António. Nesse ano, o Presidente do Júri Internacional era precisamente o Fernando Lopes e o Presidente do Júri da Juventude era eu mesmo. Contudo, se bem me lembro, ao seu filme apenas foi atribuído o Prémio Ficção, pelo Júri da Juventude. Acha que o Fernando Lopes o prefere ver como assistente?

JPC – Esse prémio é uma novidade para mim. Quanto ao Fernando, pensou que achou, com todo o direito, haver filmes que mereciam mais o prémio que o meu. Já ganhei vários prémios em festivais, como Belfort, Moscovo e Arare, por exemplo, e nunca me foram atribuídos pelo lado da amizade. Raramente sei em que festivais os meus filmes andam e quem são os membros do júri. A verdade é que mandar filmes a festivais é mais uma iniciativa, pelo menos no meu caso, dos produtores. Em Arare o Mistério ganhou o prémio do público, melhor filme e argumento e só soube quase 3 meses depois quando me foram entregues as estatuetas.

HM – Com certeza e, na verdade, eu tive oportunidade de falar algumas vezes com o Fernando e, devo dizer-lhe, os elogios sempre foram muitos!

Mas, voltando ao seu trabalho, também não posso deixar de fazer uma referência ao seu trabalho em produções estrangeiras. Que grandes diferenças notou entre o cinema português e o internacional, em termos de produção? Acha que estamos bem posicionados, ou ainda temos muito que caminhar?

JPC – Trabalhei em algumas

produções estrangeiras como assistente de realização como por exemplo o “Chain Reaction” do Richard Bennet com o Martin Sheen e no Barco do Amor, para mencionar algumas americanas por exemplo e lembro-me de grandes equipas impessoais e bons salários.

HM – Da mesma forma, sabendo que o Jorge adquiriu grande parte da sua formação em Cinema em Países como a Suécia e a Alemanha - e pergunto isto tendo, também, em conta o seu trabalho como professor na Universidade Lusófona - acha que, nesta matéria, Portugal está bem servido de escolas e professores capazes de instruir as novas gerações na arte cinematográfica?

JPC – O ensino do cinema em Portugal está a evoluir, como seria de esperar. No entanto não podemos esquecer que muito mudou, particularmente com o desenvolvimento do dispositivo tecnológico e com a introdução e desenvolvimento das componentes multimédia e interactividade. Ainda há uma semana filmei uma cena para um programa de ficção televisiva com um telemóvel operado por mim. Isto seria inconcebível quando estudei cinema. A escolas de cinema terão de observar a importância destes aspectos evolutivos com tranquilidade sem descurar, obviamente, os aspectos clássicos como por exemplo a filosofia subjacente à narrativa que herdamos da antiguidade.

HM – Jorge, depois de tantos anos a trabalhar em cinema e televisão, que grandes diferenças encontra entre os dois, em termos de processo criativo? Tem preferência por algum?

JPC – Cada projecto é um projecto. Não combino nem separo o cinema e a televisão. Em cada um há particularidades e idiossincrasias que os tornam atractivos e diferentes. Gosto muito, e sobretudo o que me entusiasma é o processo criativo que a ficção proporciona e só depois penso se é cinema ou televisão.

HM – Para finalizar, uma pergunta que também não posso deixar de fazer. Como realizador português, como vê o estado actual, não só do cinema português, mas do cinema, na sua generalidade, em Portugal?

JPC – Isso seria uma discussão e o esclarecimento de uma visão que nos levaria a nunca mais acabar com as explicações, teses e especulações. Prefiro responder, com toda a sinceridade, que o estado do cinema português actual, para mim, tem como prioridade os meus alunos e a possibilidade de virem a ser criativos de sucesso, realizados nas suas aspirações mas sobretudo conscientes do seu conhecimento do estado e do conceito de arte.

HM – Jorge Paixão da Costa, agradeço imenso a sua atenção e disponibilidade. Desejo-lhe os maiores sucessos, se é que já não os tem. Obrigado.

JORGE PAIXÃO DA COSTA

2010-03-23T21:43:00.008Z

no O Pátio das Conversas

Informação no IMDB sobre Jorge Paixão da Costa

Jorge Paixão da Costa (n. Lisboa, 13 de Outubro de 1954), realizador português de cinema e televisão.

Licenciou-se em Cinematografia pela Universidade de Estocolmo no ano de 1982 e frequentou, em Berlim, a Masters School of the European Film Academy, ano de 1992. No cinema, é autor de quatro longas-metragens, destacando-se Adeus Princesa (1994) e O Mistério da Estrada de Sintra (2007) como dois dos seus mais populares filmes.

Assinou ainda mais de dez produções televisivas, entre telefilmes (2005 - 29 Golpes, A Escada e O Mergulho), séries (2004 - A Ferreirinha, 2002 - Lusitana Paixão, 2001 - Sociedade Anónima, 2000 - A Raia dos Medos, 1999 - Não és Homem Não És Nada, 1996 - Polícias, 1990 - Os Melhores Anos) e algumas novelas (2002 - Lusitana Paixão, 1996 - Roseira Brava, 1995 - Desencontros, 1994 - Na Paz dos Anjos).

Desde 1997, Jorge Paixão da Costa lecciona na Universidade Losófona de Humanidade e Tecnologias.

RUBRICA: «O PÁTIO DAS CONVERSAS»

2010-03-11T19:09:00.007Z

Apaixonantes e inovadoras!

Assim pretendem ser as minhas conversas no novo espaço deste blogue:

O Pátio das Conversas

Com uma periodicidade regular - assim o espero - será aqui publicado um conjunto de diálogos, entre a entrevista e a conversa, comigo e com uma personalidade da arte cinematográfica.

No meio de actores, realizadores, compositores, produtores, argumentistas e outros tais, proponho-me a uma conversa informal, explorando o trabalho específico de cada um deles e que tanto interessará a qualquer cinéfilo ou simples leitor deste blogue.

Grandes nomes da cultura portuguesa (e internacional) estarão à conversa comigo, numa entrevista exclusiva, entre os quais - posso já adiantar e confirmar - os realizadores João Salaviza e Jorge Paixão da Costa. Outros se seguirão, mas o melhor mesmo é aguardar por mais novidades.

Oscars 2010: Um Homem Sério (A Serious Man)

2010-03-07T15:38:00.013Z

Um Homem Sério, dos irmãos Coen, será a última referência que aqui deixo antes da cerimónia dos Oscars 2010, que decorrerá dentro de algumas horas, até porque, na verdade, estes foram os filmes que vi, nomeados na categoria de melhor filme, e escrever sobre o que não vi e o que não sei não faz muito o meu género.

Uma vez mais, os irmãos Coen são muito fiéis ao que sempre fizeram e costumam fazer. Tenho visto alguns filmes da carreira de ambos - escassas vezes se separaram - e, evidentemente, sobressai esta forma retraída (ou contida) nas emoções e o gosto pelo insólito, cultivado por uma narrativa visual de excelência. Um Homem Sério tem todas estas características, muito direccionado para os amantes do trabalho dos irmãos e não tanto para as massas, como de resto são quase todos os seus filmes.

O filme conta, muito concretamente, uma fase muito difícil da vida de Larry Gopnik. Década de 70, numa América sossegada, Larry é um Judeu e Professor de Física que vê, num abrir e fechar de olhos, a vida a virar completamente do avesso: desde a descoberta da traição da sua mulher até às constantes preocupações com o cunhado, passado pelas ofertas de suborno que lhe têm chegado por um aluno desesperado, ao mesmo tempo que o director da Universidade recebe cartas que o difamam enquanto professor. Mais ainda, Larry sente-se quase ameaçado com a presença de Sy, o amante da sua esposa, enquanto tenta resolver os conflitos do seu filho - problemas disciplinares na escola Hebraica - e da sua filha - sorrateiramente tira dinheiro da carteira do pai para uma operação ao nariz. Contudo, apesar de Larry se ver e sentir numa situação de desespero, porque é "um homem sério", vai procurar resolver todas estas situações adversas com a maior seriedade e moralidade possível. No fundo, trata-se de estabelecer um ponto de equilíbrio na sua vida, ponderar os acontecimentos e, com isso, tornar-se nesse homem sério que tanto pretende ser, contando, para isso, com a ajuda de vários Rabis.

Com isto, facilmente se apreende que Um Homem Sério é conotado de imensas preciosidades humorísticas, ainda que contidas - o humor negro, no verdadeiro sentido da expressão - e os irmãos Coen são peritos nestas situações incomuns, no desenrolar dos acontecimentos, cada vez mais difíceis e insólitos.

O filme, nomeado apenas em duas categorias - melhor filme e melhor argumento - não será certamente a obra-prima dos irmãos Coen, mas antes uma confirmação do bom trabalho que ambos têm desenvolvido ao longo dos anos, não só como realizadores, mas também como bons contadores de histórias - daí se justificando as nomeações recebidas. Apesar de tudo, e à semelhança de Nas Nuvens, a concorrência deste ano é muito forte e tudo indica que também Um Homem Sério acabara a noite sem galardão.

Oscars 2010: Nas Nuvens (Up In The Air)

2010-03-05T12:23:00.000Z

A par de Precious, e ainda que nada tenham em comum, Nas Nuvens é também uma grande surpresa e merece muito bem o destaque feito pela Academia. Digamos que, depois do interessante, mas não tanto inovador Juno, o novo filme de Jason Reitman funciona tal como uma terapia, quase procurando explicar o que muitos empregadores não conseguem e o que muitos empregados não entendem. Extremamente actual, principalmente (mas não propositadamente) no contexto político e social, não só português, mas também do resto do mundo, aborda um dos mais preocupantes temas que assombram qualquer pessoa nos dias que correm: o desemprego. Interessantemente, fá-lo com uma certa ligeireza, quase comédia – não deixando de ser duro quando deve – ainda que procure explorar os vários estados de emoção associados à reacção após a notícia do despedimento.

George Clooney, num excelente papel e que dificilmente poderia ser melhor interpretado, é Ryan Bingham e tem um daqueles empregos bastante irónicos e antitéticos: despede pessoas. Contudo, adivinhamos nós que, dada a dificuldade em lidar com questões psicológicas (e, por vezes, sociológicas) do desempregado, Ryan é um frustrado. Pois aí é que estamos bem enganados. Melhor do que ninguém, Ryan Bingham leva o seu emprego com bastante seriedade e moralidade, voando de Estado em Estado e, por isso mesmo, vive constantemente lá em cima, “nas nuvens”, tendo aprendido e incorporado todo este esquema e estrutura que está na base do seu dia-a-dia. Além disso, embora solitário, talvez afectado pelos sentimentos das pessoas que despede, concentra-se em acumular milhas com o voos que faz - funcionam, parece-me, como um acumular de pontos que depois podem ser gastos em viagens gratuitas, dependendo da distância - e nas palestras motivacionais da sua autoria sobre o excesso de bagagem emocional, metaforiazada pelo excesso de bagagem de elementos físicos da vida de cada pessoa.

Mas quando tudo parecia correr bem (e com perspectivas de que assim continuaria a ser), Natalie Keener, recém-licenciada, aparece com uma ideia inovadora para os despedimentos. Ao aproveitar as novas tecnologias da video-conferência, Natalie propõe um novo sistema em que o despedidor nunca precisará de sair do seu escritório para que o seu trabalho seja feito: uma ideia, no mínimo, imoral e com falta de sensibilidade, tratando-se de um trabalho delicado como este. Então, Ryan leva Natalie, em jeito de professor e aluno, preparando-a para o que o seu trabalho realmente significa e, com isso, fazê-la ver do erro que tomou ao apresentar a proposta da video-conferência. O que Ryan não estava à espera (e ao cruzar-se, profissionalmente, com Alex Goran) é que toda a sua vida emocional será posta em causa com a aventura que está prestes a tomar...

Nas Nuvens é um exercício bastante interessante, a partir do livro homónimo de Walter Kirn, balançando entre o drama e a comédia, mas sempre conotado de uma carga emocional extraordiodinária e a vários níveis. Em termos técnicos, o filme representa, de todas as formas, aquilo a que se chama academismo; não há nada a mais e não há nada a menos, o filme assim é porque assim tinha de ser e nada mais do que isso seria exigido. Embora as nomeações, claramente bem justificadas, sejam para os actores e para o realizador, creio que a concorrência seja demasiadamente forte e o mais certo é que Nas Nuvens - porque, infelizmente, todos não podem ser vencedores - não leve nenhum galardão.

200

2010-03-04T23:25:00.003Z

e a contar...

Oscars 2010: Avatar

2010-03-03T21:52:00.022Z

Seria estranho querer fazer um apanhado geral sobre os filmes que vi e que estão em competição aos Oscars 2010 sem referenciar Avatar, o filme que quase ninguém conhece e que quase ninguém viu.

Pois bem, a começar, e porque é preciso dar o braço a torcer, há que congratular o James Cameron por ter conseguido o que nenhum outro realizador, no mundo, conseguiu até agora: bater o recorde mundial de bilheteiras, anteriormente alcançado por si próprio! Disto podemos ter a certeza, se não for por outro motivo, Avatar já consegui marcar a história do Cinema. Claro que, segundo estudos recentemente feitos, devido à inflação, a posição de Avatar é lá para o número 30, já que o primeiro lugar continua a ser da incontornável obra-prima de Victor Flemming, E Tudo o Vento Levou (Gone with the wind) que, já em 1939 - ano de estreia - superou os 200 milhões de dólares. Mas, ainda assim, já lá dizia Camões que "mudam-se os tempos, mudam-se as vontades" e fazer um filme com o sucesso de Avatar é, hoje em dia, quase impossível - lembremo-nos que, com a mudança dos tempos, surgiu a pirataria, o dvd, o blu-ray, a crise... .

Mas, quanto ao filme que aqui está em causa, aproveito também para fazer uma pequena referência ao que por aí tenho lido e ouvido acerca do argumento que, dizem, é fraco e com falta de originalidade. Pois bem, parece-me a mim que, ou as pessoas dizem aquilo que realmente sabem ou que o digam só se realmente tiverem alguma coisa de útil para dizer; caso contrário, mais vale não dizer nada. O certo é que se fazem por aí imensas analogias com o Pocahontas e que o filme não passa de uma cópia e não-sei-que-mais e blá-blá-blá. Para ser mais concreto, o filme ultrapassa tudo isso. Aliás, a meu ver, o filme acaba mesmo por ter mais semelhanças com o Danças Com Lobos (Dances With Wolves) - 1990, realizado por Kevin Costner -, já que falamos em argumentos, do que com o Pocahontas, embora as semelhanças sejam evidentes, não descuro a hipótese. Contudo, talvez esses críticos não saibam que o Danças com Lobos ganhou, nesse ano, o Oscar de melhor argumento (entre muitos outros, incluindo de melhor filme e de melhor realizador) e agora vêm dizer que o argumento do Avatar é fraco. Essa não vai comigo. Avatar é um excelente filme, bem construído, bem pensado e muito bem concebido.

Há ainda um outro ponto que não posso deixar de referir e que se prende com esta aptidão, quase talento, mostrada por James Cameron em querer e em tentar fazer de tudo para desenvolver novas técnicas e tecnologias do processo criativo, sempre aliadas à concepção do cinema enquanto arte, constituindo, por isso mesmo, um excelente exemplo da perfeita conjugação da arte e da indústria. Na verdade, se não fosse a sua insistência nesta tridimensionalidade, ainda hoje teríamos filmes em 3D feitos com câmaras fixas e do tamanho de uma máquina de lavar roupa - sim, li de fonte segura - em vez desta portabilidade que Cameron lhes conferiu. Aliás, já quando concebia o Titanic, Cameron foi responsável por ter desenvolvido uma nova câmara de vídeo (da Panasonic) capaz de suportar a pressão da água nas profundezas do Oceano, embora essa câmara, creio que em película de 16 mm, só conseguisse gravar 11 ou 12 minutos de cada vez; depois era preciso mudar a bobine, coisa que, debaixo de água e àquela pressão, seria complicado. Por isso mesmo, esta é mais uma razão da importância de Avatar no contexto da história do cinema e também o porquê de ser importante ver o filme e saber o que o futuro poderá trazer - uma vez mais, "mudam-se os tempos, mudam-se as vontades" e, como tal, não podemos, obviamente, estar à espera que o Cinema, enquanto arte, em toda a sua forma e conteúdo influenciado pelo tempo em que se insere, não altere essa forma com a mudança dos tempos.

Mas, como referi umas linhas atrás, Avatar é muito mais do que tudo isto e ultrapassa qualquer analogia, seja qual for o filme. Penso que, pela primeira vez, assisti a um filme onde o conceito da tridimensionalidade fazia todo o sentido; repare-se que a imagem em 3D já não deve ser usada para puro entretenimento do público, as exigências devem ser outras, porque as experiências nesse campo já foram suficientes. E Avatar consegue isso muito bem - aliás, não foi por acaso que James Cameron esperou 10 anos para o poder filmar, trazendo esta nova tecnologia da imagem em 3D como nunca foi vista. Efectivamente, só com esta tecnologia foi possível entender a beleza de Pandora, só assim foi possível captar a nossa atenção, manipulando-nos a querer, de alguma forma, saltar para esse mundo tão belo e tão musical. E, por breves momentos, leva-nos mesmo até esse mundo, ainda que digitalmente e com uns óculos desconfortáveis, e proporciona-nos uma experência notável em primeira pessoa.

Em último ponto, e porque o filme é exemplar em cinematografia, direcção artística, realização, edição e outros tais, não sendo por isso tão importante referir o que já se sabe, é preciso ter em muita atenção a banda sonora, uma vez mais, dirigida por James Horner, que já havia sido o autor da banda sonora de Titanic. Confesso que, assim que vi o filme, este tinha sido o único aspecto negativo que conseguia apreender. Contudo, e por curiosidade, optei por ouvir a banda sonora desprovida da imagem - algo que eu já referi algures por aqui, creio, acerca das capacidades de percepção do filme pela sua música. Com efeito, a experência levou-me a crer que a banda sonora, durante o filme, é totalmente consumida pela imagem e revela-se mesmo impotente embora, por vezes, consiga desempenhar o seu papel. Ao ouvir a música de Avatar, mudei completamente a minha opinião: a banda sonora é quase tão boa como o filme! Digamos, de passagem, que mesmo a banda sonora do Titanic, quer se goste ou não da Celine Dion, tem bastante qualidade e fiquei muito supreendido - coisa que, durante o filme, não consegui perceber - quando dei conta das imensas influências, por vezes a mesma conjugação de notas, em relação à do Titanic, ou o autor não seria o mesmo, está claro. Ainda assim, era um pormenor que não podia deixar passar e que me surpreendeu bastante, embora a suposta canção Love Theme - interpretada por Leona Lewis e feita, evidentemente, para ter o mesmo sucesso que a Celine Dion com a My Heart Will Go On - tenha caído, completamente, por terra.

Para finalizar, parece-me que Avatar vai ser mesmo o grande vencedor da noite. Melhor filme, Direcção artística, Cinematografia, Realização, Edição de Som, Mistura de Som e Efeitos Visuais podem, desde já, ser dados como certos.

Oscars 2010: Precious (Precious: Based on the Novel Push by Sapphire)

2010-03-01T12:26:00.002Z

Esta preciosidade foi uma das maiores surpresas do ano 2009 - para nós, portugueses, do ano 2010, mas a ideia mantém-se - e, parece-me, já há muito que não se fazia um filme tão violento e real em cinema independente. Claro que o conceito de cinema independente num país onde o Cinema não é uma indústria - ao contrário do que acontece em muitos outros países - pode parecer um absurdo, já que uma produção americana independente é bem mais cara que grande parte dos restantes filmes que se fazem no mundo inteiro; mas, ainda assim, e nesse contexto, é de louvar que se façam filmes de grande qualidade - como é o caso - com orçamentos reduzidos. Não obstante, Precious aparenta ter tido bastantes apoios, pelo menos morais, por ser uma história que merecia, de facto, ser contada. Aliás, não é por acaso que o filme teve ajuda à produção pelo ícone mundial Oprah Winfrey; já anteriormente, Oprah havia participado em cinema, especialmente sob realização de Steven Spielberg, interpretando o papel de Sofia no belíssimo filme A Cor Púrpura (The Color Purple) que, na verdade, praticamente a deu - a si a à protagonista Whoopi Goldberg - a conhecer ao mundo.

Precious, bem lá no fundo, acaba por ter algumas semelhanças com este A Cor Púrpura, não me referindo em particular à história, mas antes à temática. Aliás, antes disso, toda a estética do filme parece-me muito semelhante ou, pelo menos, influenciada pela estética Spielbergiana do A Cor Púrpura. Mais concretamente, Precious pode ser visto como A Cor Púrpura dos tempos modernos, as evidências são claras. Contudo, talvez por ser um filme demasiadamente moderno e verdadeiro, se é que me faço entender, a violência e os maus tratos despontados em quase todas as cenas funcionam como um murro no estômago; é um facto que nos custa ver, quanto mais sentir. Mas é uma crueldade muito verdadeira e que existe algures no mundo, multiplicada por várias regiões, países ou continentes. Muitas Precious, em melhor ou pior situação do que esta aqui retratada, existirão e estarão a ver o filme neste momento e a ver-se naquela situação - um facto lamentável e que, ainda assim, acaba por representar, espero, um microcosmos cingido às classes sociais mais baixas.

Não querendo avançar muito com o que o leitor pode assistir - porque vale a pena ficarmos admirados com a dificuldade das situações e pela forma com que elas são resolvidas - Precious aborda, num conceito geral, a violência e o abuso de menores. Imprimindo uma situação mais ligeira, violência por parte da mãe, abuso sexual por parte do pai e bullying por parte de toda a gente. Imaginar, sequer, estar na mesma situação de Precious é impossível. Ver, é um fenómeno, o murro no estômago de que falava. E, contudo, vemo-nos e sentimo-nos impotentes, inaptos para ajudar, frustrados por não o poder. Mas, Precious é também uma história e uma lição de vida, de como é ainda possível renascer das cinzar, de como nós somos os únicos responsáveis pela nossa vida e que a podemos mudar com força de vontade e apoio por parte de quem nos é querido.

Estamos, pois, perante mais um filme notável na corrida aos Oscars. Não será certamente o grande vencerdor da noite, mas a qualidade dos actores merece ser, sem qualquer dúvida, distinguida. Falando em apostas, pelo menos Mo'Nique ganhará o Oscar de Melhor Actriz num Papel Secundário. Fico a torcer para que haja uma ou outra surpresa, como de resto este filme demonstrou ser.

Oscars 2010: Altamente (Up) e o cinema de animação

2010-02-26T21:19:00.035Z

Se há um filme priveligiado, em termos de nomeações, como usualmente acontece com um ou outro filme, para a cerimónia deste ano, Up - Altamente é com certeza esse filme, constando nas listas de "melhor filme" e de "melhor filme de animação", entre outras, pois claro. Um facto que, no entanto, acaba por ser justificado tendo em atenção o alargamento do número de nomeados ao Óscar de melhor filme, além de que, não querendo que me interpretem mal, estamos, pois, perante uma obra de indiscutível qualidade. Contudo, esta investida da parceria Disney-Pixar acaba por ficar um tanto aquém das expectativas, irremediavelmente instalado à grande e expansiva sombra do seu antecessor - Wall.e, se bem se lembram. Longe vãos os tempos da animação por desenhos à mão - curiosamente, uma técnica que agora a Disney diz recuprar no Princesa e o Sapo -, brindados por obras-primas da animação que ainda hoje perduram na memória de quem as viu. O Rei Leão, Aladino e Cinderela são três dos melhores e mais populares filmes de animação e, quer se queira ou não, o impacto do cinema de animação nos tempos actuais tem vindo a ser, de dia para dia, cada vez menor. O porquê é, sem sombra de dúvida, indissociável dos novos processos criativos, hoje em dia com um uso - e por vezes abuso - das técnicas digitais. Aqui, a questão está, precisamente, em perceber de que forma estas novas técnicas vêm influenciar, não só no processo criativo, mas principalmente na concepção da obra cinematográfica, enquanto expressão artística.

A animação é, por si só, um campo de trabalho de dificuldades acrescidas. Contrariamente ao que se pensa, o trabalho em animação deverá exigir mais de um criador do que um outro filme qualquer; na verdade, o facto de não haver impossibilidades técnicas num trabalho de animação - efectivamente, é possivel criar a cena tal como se quer, com a iluminação certa, o plano correcto, a temperatura da cor exacta, etc... - conduzirá o expectador para um nível, ainda que subconscientemente, de exigência superior, pricipalmente no contexto emotivo da situação. A dificuldade de que falava está, desta forma, na transformação e na transposição dessa emotividade, bem como na total criação da situação que deverá, em cada filme, ser inovadora e diferente para o expectador.

Neste ponto de vista, o facto de o cinema de animação ter vindo a reduzir a popularidade ao longo do tempo - tendo-a ganho, apesar de tudo, junto dos mais novos, exímios consumidores do que quer que lhes agrade à vista - pode ser justificado pela falta de concentração nesse objectivo primordial que está na base do cinema enquanto arte, em detrimento do desenvolvimento e aprimoramento da técnica criativa. Outros condicionantes que se prendem com as necessidades sociais acabarão, evidentemente, por estar associados com o maior (ou menor) sucesso deste cinema de animação.

Em casos mais práticos, não há filme que melhor consiga exemplificar esta situação do que o já mencionado Wall.e: de uma forma generalizada - não querendo, pois, alargar-me com explicações quase evidentes - o filme constitui uma verdadeira viragem no cinema de animação, porque pela primeira vez, desde há muito tempo, houve a preocupação em conceber uma obra abordando um conjunto de temas com interesses e preocupações sociais, não esquecendo, claro está, toda aquela parafernália técnica, imaginativa e, essencialmente, criativa que se espera de um qualquer filme de animação.

O que agora acontece, sensivelmente um ano depois, com este Up - Altamente, é algo bastante semelhante e é o suficiente para se dizer que o cinema de animação está, finalmente, a tomar novos rumos, mais concretos, mais compreensivos e, acima de tudo, mais maturos - como de resto já demostravam os antigos filmes de animação da Disney.

Up - Altamente começa num passado, há alguns anos atrás, onde conhecemos o jovem e pequeno aventureiro Carl, fanático pelas aventuras às Terras Perdidas do Descobridor Charles Muntz. Por esta altura, e por um feliz acaso, Carl conhece Ellie, que partilha da mesma paixão pela aventura e pelo desconhecido e juntos fomentam o sonho de uma viagem à América do Sul, à Lost Land tão falada pelo ídolo Charles Muntz. Mas os anos passam, a amizade entre Carl e Ellie passa a outros níveis, cresce a olhos vistos, até que decidem passar a vida juntos, contraindo matrimónio. Mas, porque a vida é assim mesmo, madrasta, uma série de infortúnios retardam os planos da vida de Carl e Ellie e o sonho de infância vai-se arrastando com os anos (pesados) da vida de ambos. A cena é lindíssima, quase video-clip, mas tocada por uma sensibilidade extraordinária - sem dúvida que é uma das cenas mais notáveis alguma vez feita em cinema de animação. Pouco depois, Carl, agora um quase-velho-jarreta, mas com um grande coração, vê-se obrigado a ir para um lar de terceira idade após umas desavenças com uma equipa de construtores civis que precisam de lhe expropriar a casa. Surpresa das surpresas, Carl tem um plano na manga, em memória da sua Ellie, do tempo que passaram juntos e, principalmente, do sonho e da promessa de infância; então, à chegada dos enfermeiros, Carl liberta milhares de balões, presos na boca da lareira, e transforma a própria casa numa espécie de flutuador improvisado, viajando, por fim, para a América do Sul à procura da Terra Perdida e, uma vez lá, instalar-se nas Paradise Falls (Falésias do Paraíso, ou algo do género). Contudo, em pleno voo, e sem que ninguém estivesse à espera, alguém bate à porta... Russel, um rapazinho de 8 anos, impulsivo e dedicado à aventura, vai mudar completamente os planos de Carl para esta viagem.

Seguindo esta linha de acção, facilmente se compreende a importância de um filme como o Up - Altamente e, o mais importante, onde poderá residir o sucesso de um filme de animação, sobretudo aos olhos dos mais velhos e, em geral, menos interessados no género de que se fala; indiscutivelmente, o filme consegue, com toda a facilidade, apelar ao interesse quando aborda temas tão maturos como a vida, a morte, a solidão e a importânica de ter sonhos e de viver para eles, coisa que nunca passará pela cabeça de uma criança, mas antes - e isto é importante - será apenas compreensível por quem já conhece minimamente a vida (e que já cá está há algum tempo), fazendo-nos reflectir sobre estas preciosidades que nos são oferecidas ao longo dos anos. E isto, tanto o Wall.e como o Up fazem-no muito bem.

Embora continue a achar que o filme em questão não teve o impacto desejado - não o julgando como obra singular nem valendo por si só, porque, sob esse aspecto, nada tenho a reparar, mas essencialmente por causa da expectativa gerada e, ainda para mais, por ser um filme decorrente de uma quase obra-prima do cinema de animação dos tempo modernos -, com certeza que os produtores levarão para casa o Óscar de Melhor Filme de Animação.

To Mac or not to Mac

2010-02-24T10:46:00.007Z

[desculpa-me a inspiração, Tiago, era mesmo inevitável]

Helder, compra um Mac:

* o teu computador avariou-se
* o disco rígido pifou, perdeste tudo o que lá tinhas
* um disco novo custa-te, com a mão-de-obra, mais de 100€
* a bateria deixou de funcionar há mais de um ano
* a drive de cd/dvd deixou de funcionar há mais de dois anos
* o teu computador já tem mais de seis anos de existência
* o computador está avariado: não tens computador neste momento!!!
* podes instalar o Windows 7 no Mac e trabalhar com Dual Boot
* podes usar o Audium em vez do MSN Messenger
* estúpido, tu nem sequer usas o MSN Messenger!!!
* podes instalar o AutoCAD, se trabalhares em Dual Boot
* e podes usar o Final Cut Pro, finalmente!!
* e o Mac é bonito.

Helder, não compres um Mac:

* é caro.

Oscars 2010: Estado de Guerra (The Hurt Locker)

2010-02-12T13:30:00.011Z

Com 9 nomeações, Estado de Guerra é, a par de Avatar, um dos grandes favoritos da cerimónia dos Oscars deste ano. E razões há para que assim seja ou não estaríamos a falar de um filme inovador dentro da temática que propõe abordar - não por apresentar uma diferente perspectiva da Guerra no Iraque, mas principalmente por acompanhar uma equipa de soldados americanos, peritos a desmantelar bombas. Na verdade é um trabalho bastante ingrato, com um risco e uma perigosidade muito superior a qualquer um outro cargo num campo de batalha, mas que parece ter sido esquecido (ou, pelo menos, pouco referenciado) ao longo da história do cinema.

Realizado por Kathryn Bigelow (ex-mulher de James Cameron, embora dele não tenha tido quaisquer influências para este filme), em Estado de Guerra somos, desde logo, levados para o meio da equipa Bravo, em Baghdad, a 39 dias do final da sua missão. Um infortúnio acaba por acontecer, entre ambientes tensos e medidos a peso pela desconfiança dos Iraquianos, ficando a equipa anti-bomba reduzida a dois soldados. Para substituir a perda, o Sargento James é enviado para o campo de batalha, como chefe da equipa, em conjunto com os resistentes Sargento Sanborn e Especialista Eldridge. Percebemos, com o avançar dos dias e com o árduo trabalho com que se vão deparando, que cada um eles tem uma maneira muito própria de ultrapassar o medo, perante o risco de vida a que diariamente se expõem. Por um lado, amante do seu trabalho, que não vê outro objectivo de vida senão a adrenalina em desarmar uma bomba, o Sargento James parece deslocado, numa atitude quase imatura, mas com um autodomínio desmedido sem se deixar levar pela opinião dos outros - nem mesmo dos seus superiores. Por outro lado, Sanborn e Eldridge não se adaptam a este método de trabalho; seguem regras, ponderados, excessivamente emotivos e inseguros para a profissão que levam. O certo é que os 39 dias em falta vão sendo descontados e as bombas desmanteladas, como se de uma contagem decrescente se tratasse, e a equipa, mais unida do que nunca, procura auxílio entre si nestes últimos dias que, como se sabe, acabam por ser os mais difíceis.

Estado de Guerra é um excelente pretexto para uma abordagem, embora generalizada, de alguns temas que me parecem interessantes: a confiança e os valores da amizade, acima de tudo, na vida presa por um fio, posta nas mãos do Sargento James como se não tivesse o peso que tem; o combate ao medo, a reacção perante a morte, o diferente modo de reagir numa situação extrema de vida ou de morte; e, por último, aquela típica seriação de pessoas, quase discriminação, a dúvida levantada vezes sem conta acerca da inocência (ou culpa) dos cidadãos iraquianos mediante o caos levantado em Baghdad.
Tecnicamente perfeito, além de uma exemplar direcção de fotografia, o ritmo escolhido - trabalho de edição - não podia ser melhor. De facto, em muito contribui para a correcta apreciação da cena, na percepção da tensão envolvida, por vezes convertendo-se numa certa demagogia, no bom sentido, entre o que poderá ou não acontecer.
Quanto às apostas, Estado de Guerra tem tudo para ser galardoado em Edição (Bob Murawski e Chris Innis), Banda Sonora (Marco Beltrami e Buck Sanders), não esquecendo a séria nomeação e possível vencedor pela melhor - pelo menos, inesperadamente boa - Realização (Kathryn Bigelow).

Oscars 2010: Sacanas Sem Lei (Inglourious Basterds)

2010-02-04T18:39:00.005Z

Tal como prometido, dou já por iniciada a primeira referência aos títulos cinematográficos que compõem a lista de nomeados ao Oscar de Melhor Filme para a 82ª Gala. Já havia escrito, apesar de tudo, um pequeno texto, aquando da sua estreia, relativo ao Inglourious Basterds de Quentin Tarantino que acho por bem relembrar aqui, ainda que em carácter sintético.

A versão completa encontra-se aqui mesm o.

"[...] Para que justamente se fale aqui de Inglorious Basterds/Sacanas Sem Lei o melhor é mesmo começar pelo inicio. E o inicio dá-se em 1978 com o filme Italiano Quel Maledetto Treno Blindato de Enzo G. Castellari que recebeu a tradução em Inglês The Inglorious Bastards. [...] Haverá, apesar de tudo, muito pouco a referir neste ponto porque uma coisa pouco ou nada tem a ver com a outra. Desenganem-se pelo título, pela II Guerra como pano de fundo e pelo grupo de Americanos destemidos comum nos dois filmes. Não há intenção alguma de refazer o filme Italiano numa versão Americana, mas também não poderei dizer que o Basterds de Tarantino não poderá ter tido origem no Bastards de Castellari - apenas uma ligeira e saudável inspiração. [...]".

"[...] Sacanas Sem Lei - e digo isto com muita satisfação porque adoro! - tem influências claras em Sergio Leone. É um típico Spaghetti Western de Leone onde os cowboys são substituídos por soldados. Desde o primeiro instante que somos levados a tirar essa conclusão. O genérico, tanto o inicial como o final, e muito particularmente a Banda Sonora que os acompanha são bons indícios disso. [...] Repare-se que o filme começa com as palavras "Once Upon A Time..." (e depois complementadas com "in Nazi Occupied France"), precisamente as palavras que Sergio Leone utilizou para intitular o magnífico clássico Once Upon A Time In The West/Aconteceu no Oeste (1968) e, uma outra sua obra-prima - e um dos meus favoritos - Once Upon A Time In America/Era Uma Vez na América (1984). Além disso, o filme abre com uma cena que em muito remete para o inicio de Il Buono, il Brutto, il Cattivo/O Bom, o Mau e o Vilão (1966), também de Sergio Leone. [...]".

"[...] Fique-se ainda a saber que a estética a que Tarantino nos habituou continua marcada nesta sua grande obra, como de resto era bastante previsível. Fala-se dos planos apertados iguais aos de Sergio Leone - exímia fotografia de Robert Richardson -, da violência quase gratuita, do argumento ponderadíssimo repleto de frases chave e a Banda Sonora escolhida a dedo, muito ao estilo de Kill Bill (2003/2004), mas sempre com o gostozinho a Western Italiano. [...]".

Por último, em título conclusivo e tendo em conta as nomeações com que foi presenteado, a minha aposta recai como possível vencedor de Melhor Actor Secundário (Christoph Waltz) e Melhor Argumento Original (Quentin Tarantino).

Oscars 2010: Os nomeados

2010-02-04T00:29:00.006Z

Foram ontem reveladas as nomeações para os tão aguardados Oscars, referente às estreias de 2009. Tal como havia sido anunciado, a Academia, em jeito saudosista dos primeiros anos de Oscars, optou pela nomeação de 10 obras concorrentes ao prémio de melhor filme, em vez das habituais 5. Além do mais, porque as novidades não se ficam por aqui - embora já anunciado -, a cerimónia deste ano, que se realizará a 7 de Março, terá não um, mas dois apresentadores: Alec Baldwin e Steve Martin. Quanto aos nomeados propriamente ditos, embora as surpresas não sejam muitas, a liderança cabe a James Cameron (com "Avatar") e, curiosamente, à sua ex-mulher, Kathryn Bigelow (com "The Hurt Locker" - "Estado de Guerra").
Em função das estreias nacionais que, como bem sabem, são por vezes demasiado tardias ou inexistentes, procurarei fazer uma referência a cada um dos principais filmes nomeados. Por enquanto, é caso para dizer, façam as vossas apostas.

Lista completa de nomeados aqui

Boletim de votação oficial (download)

Prémios de Teatro Guia dos Teatros 2009

2010-01-23T12:10:00.007Z

À semelhança do que aconteceu o ano passado, o Guia dos Teatros promove os Prémios de Teatro Nacional, desta feita, referentes ao ano de 2009. As votações já se encontram abertas e esperamos contar com o vosso voto.
Basta apenas que façam download do boletim de voto, preencher e enviar. Se preferirem, podem também aceder aos respectivos blogues para mais informações:

http://guiadosteatros.blogspot.com/

http://premiosguiadosteatros.blogspot.com/

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-19T21:05:00.002Z

Parte [1] [2] [3] [4] [5] [6]

Parte 7/7

Em casos mais práticos e que se relacionem directamente com o Cinema na forma de criação, temo que pouco mais haverá a dizer. Não existe uma fórmula nem existe um método para transmitir a emoção através da imagem. É puramente um acto instintivo, cada um faz (ou deverá fazer) da forma que considerar mais correcta. Não é uma tarefa fácil, pelo contrário, é um acto comum a toda a arte: da mesma forma que um pintor imprime a sua emoção numa tela, que um escritor imprime nas palavras ou que um bailarino imprime nos movimentos, o realizador terá que imprimir também o que sente naquilo que filma. Poderá ter o auxílio de elementos adicionais que em muito contribuem para isso – uma banda sonora exemplar ou bons actores que se saibam exprimir –, mas tudo vai acabar por se resumir a isso mesmo: a emoção só chega ao espectador se o realizador a imprimiu previamente no filme.
A primeira exibição que fiz para um público foi na cidade de Braga, a convite da organização de um evento cultural para uma Escola Secundária. Percebi que grande parte do público que ia ter seria muito jovem e imaginei que ia ser difícil fazer-lhes chegar o meu trabalho – ia passar um conjunto de 4 filmes baseados em poemas. Como antevi isso, optei por escolher a ordem com que os 4 filmes iam ser exibidos e assim, em primeiro lugar, escolhi o filme que achava que eles não iam gostar nada; em segundo lugar, ficava o filme que iam gostar um pouco mais e assim sucessivamente, até ao quarto filme, que eu achava que iria ser o mais apreciado. Ora, esta foi uma escolha totalmente instintiva e que podia tanto dar para o lado certo como para o lado errado. A minha ideia era deixar para último lugar o filme que certamente ia chamar mais a atenção por parte dos jovens, porque as últimas memórias são sempre as decisoras e as que ficam mais facilmente gravadas, se me faço entender. Felizmente, depois de alguns burburinhos, falatórios e algumas faltas de interesse durante quase toda a projecção, chega o momento em que sou eu a pôr as cartas na mesa. Foi precisamente nesse momento que senti a sala a silenciar-se, a demonstrar um súbito interesse pela projecção – não digo qual era o filme para não influenciar opiniões – e isso deixou-me extasiado de alegria porque tinha conseguido atingir o meu objectivo com aquela sessão – captar o interesse de um público muito novo. Muitos dos jovens não sabiam quem eu era e ouvia-os, logo ao primeiro filme, a perguntarem o que seria “aquilo”. No final, os que disseram “aquilo” foram os primeiros a dizerem entre si que “até estava bom”… Creio que se a sequência da exibição tivesse sido outra eu tinha saído de lá sem que houvesse uma pessoa a gostar da sessão. Foi uma opção que acabou em bem, mas nem sempre isto acontece. Depois desta, tive outras exibições, com outros filmes, umas correram bem, outras nem tanto. Tudo depende de um público, ele é o elemento crucial para a avaliação de um filme. Se conseguirmos chegar até esse público com o nosso trabalho temos um objectivo completo, mas essa é uma tarefa que cada vez é mais difícil de concretizar. Acima de tudo, acho que não nos devemos preocupar em fazer um filme ou em dirigi-lo, emotivamente, para um público em particular. No fundo, o que importa é sermos fiéis aos nossos princípios e aos nossos instintos e guiarmo-nos por eles.
É um pouco isto o que tenho vindo a aprender por experiência própria. Não há muitos conselhos que possa dar quanto à materialização da emoção através do Cinema. Muitos filmes já o conseguiram, muitos ainda o conseguirão. Apesar de tudo, não nos podemos esquecer que o tempo é sempre o Juiz final, o decisor soberano de qualquer memória ou sentimento: hoje podemos não causar emoção, mas quem sabe o que acontecerá daqui a alguns anos…

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-18T21:00:00.004Z

Parte [1] [2] [3] [4] [5]

Parte 6/7

Mas, entrando novamente na linha de pensamento, é em filmes como Lágrimas e Suspiros (1972), Morangos Silvestres (1957), Personna – A Máscara (1966), O Silêncio (1963), assim como nos restantes filmes (praticamente todos) de Ingmar Bergman – que eu considero um dos maiores realizadores de sempre – que encontramos o exemplo perfeito do que é sentirmo-nos emocionados ora pelo silêncio, ora pelo gesto, ora pelo factor surpresa, ora pela melancolia… É uma exigente e inevitável mistura de sentimentos e de sensações inexplicáveis que nos chegam até ao coração, ali ficam, permanecem, e nós contidos na nossa mudez, sem saber o que dizer, estupefactos com tanto sentir. Isto sim! É o verdadeiro afluir de emoções.
Contudo, o que mais correntemente se encontra no Cinema é uma mistura de emoções por “acções positivas”, tendo por base uma (ou várias) “acções negativas”. Não é estritamente assim que acontece, claro, mas veja-se como exemplo os filmes O Voo da Abelha (1999), La Lengua de las Mariposas (1999), Casablanca (1942), Um Violino no Telhado (1971), Elephant (2003), 4 Meses, 3 Semanas, 2 Dias (2007), O Piano (1993), Mystic River (2003), O Pianista (2002), A Última Chamada (1995), E Tudo o Vento Levou (1939), A Lista de Schindler (1993), Crash (2004) – quem não se lembra da fantástica cena com a miúda e o “manto da protecção” que bem exemplifica o que procuro idealizar? A fragilidade de um ser associada a uma potencial morte são suficientes para a emotividade – e ainda tantos outros filmes, como devem imaginar, que poderiam ser aplicados aqui.
Para que não esqueça, também o autor Wim Wenders seria bem lembrado nesta fase pela sua cinematografia deambulatória em filmes como Lisbon Story (1994) – que eu idolatro – e Tokyo-Ga (1985). É nesse sentido vago, da deambulação, do documentarismo, que Wenders aborda muitas questões sobre as pessoas, sobre a sociedade e sobre o mundo que nos comove e emociona, não se baseando, necessariamente, em “acções negativas” ou “positivas”.
Também os filmes da Nouvelle Vague – o melhor Cinema Francês que podemos encontrar – Godard, Truffaut e, mais recentemente, Christophe Honoré, são bons exemplos dessa deambulação, de filmes de rua que através da simplicidade e ligação tão intrínseca com a realidade atingem a emoção.
Da mesma forma, em Portugal vemos essa condição – emotividade equilibrada pelo “positivismo” e “negativismo” das acções – em filmes como Manhã Submersa (1980) de Lauro António – na linha da frente da cinematografia portuguesa – Jaime (1999) de António Pedro Vasconcelos, Kiss Me (2004) de António da Cunha Telles – um filme bastante interessante, por acaso – Alice (2005) de Marco Martins e, porque não?, os documentários Ainda há Pastores? (2006) e Pare. Escute. Olhe! (2009), ambos de Jorge Pelicano. Meros exemplos, repare-se, que o leitor pode complementar com a sua situação.

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-15T22:27:00.003Z

Parte [1] [2] [3] [4]

Parte 5/7

Mas, voltando atrás, grande parte dos filmes Asiáticos (essencialmente Chineses, Japoneses e Coreanos) são feitos tendo por base o que aqui acabou de ser descrito: a emoção por “acções positivas”. Tome-se como excelentes exemplos os filmes Adeus, Dragon Inn (2003) e Ferro 3 (2004) que, através de gestos, sem diálogos, um silêncio absoluto – a verdadeira narrativa visual –, compreendemos a essência da paixão, o viver de um presente e a construção de um futuro.
Analogamente, também em Portugal existem filmes que se baseiam nesse princípio: Aniki Bóbó (1942) de Manoel de Oliveira – por mim considerado como melhor filme Português – e Terra Sonâmbula (2007) de Teresa Prata são os melhores exemplos disso. Enfim, muitos filmes existem e podiam ainda ser mencionados, mas referem-se apenas estes a título de exemplo, considerando que o leitor deverá, da mesma forma, ser capaz de associar o que aqui é exemplificado com os filmes que visiona.
Paralelamente, a emoção pode também ser conseguida segundo outros meios, tal como já mencionado; usualmente, um acontecimento inesperado que cause espanto ou surpresa é passível de causar igualmente um impacto emocional. Este é precisamente um meio que tem ganho particular estima por parte de diversos realizadores. O facto de invadirmos o espectador com uma situação imprevista e de que não estava à espera, toma-o em surpresa podendo-o levar a um sentimento mais emotivo. Exemplos disso são os filmes de suspense – e aqui entra Hitchcock com toda a certeza – que criam uma tensão propositada e incitam o espectador a ter um determinado tipo de reacção assim que algo de inesperado aconteça. Mas estes são exemplos pouco felizes para a compreensão deste tema já que, tal como foi dito, o espectador é manipulado propositadamente para ter aquele tipo de reacção e de emoção – e Hitchcock sabia-o demasiadamente bem! Não quero dizer, no entanto, que as “acções positivas” que culminam num estado emotivo não são materializadas através da manipulação do espectador; claro que isso está sempre presente em qualquer obra, mas há filmes em que essa manipulação é de tal forma evidente que se desprendem totalmente do sentimento positivo de que é o gesto, o carinho e o silêncio que atrás mencionava. Veja-se o caso dos filmes “exploitation”, de série B, que tiram partido da fragilidade humana (manipulam-nos, portanto, vão de encontro ao que mais tememos e contra os nossos princípios) e nos levam a reagir e a emocionarmo-nos de certa forma perante uma situação extrema – igual para o caso dos filmes “Gore” que recentemente têm adquirido grande interesse por parte do público.

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-14T21:18:00.002Z

Parte [1] [2] [3]

Parte 4/7

No Cinema, a emoção manifesta-se maioritariamente através das “acções negativas” o que, segundo o meu ponto de vista, acaba por causar sensações que se afastam um pouco do verdadeiro sentido da emotividade: se o ficar emocionado tiver por base um sentimento de empatia – e penso que todos estamos de acordo quanto a isso – então a verdadeira emoção só é conseguida pelos “actos positivos”. Isto vem invalidar, de certa forma, o que atrás foi dito. Se, por um lado, a emoção vem de dois tipos de acções (“positivas” e “negativas”), por outro lado, tendo em conta o verdadeiro sentido do “ficar-se emocionado”, verificamos que a manifestação da emotividade só é válida para “acções positivas”. Quero com isto dizer, muito simplesmente, que um sentimento de revolta, usualmente, não é tão emotivo como um sentimento de compaixão, atendendo que os sentimentos de revolta se adquirem com “acções negativas” e que a compaixão tem origem em “acções positivas”.
O facto de estarmos constantemente a ser bombardeados com cenas de violência em grande parte do Cinema que se faz actualmente, a emotividade tem vindo a ser substituída por outro tipo de sentimentos mais pesados e mais revoltantes do que a simplicidade da ternura e do carinho – então, é ou não verdade que associamos mais facilmente a emoção a “acções positivas” do que a “acções negativas”? Efectivamente, são poucos os filmes que, hoje em dia, insistem na busca da emoção pelos gestos, pelo silêncio, pelo diálogo…
No fundo, são os filmes que vão de encontro aos nossos sonhos, ao nosso imaginário e que se vingam por esse lado: filmes como Cinema Paraíso (1988), Ladies In Lavander (2004), Billy Elliot (2000), Na América (2002), My Own Private Idaho (1991), Central do Brasil (1998), O Feiticeiro de Oz (1939), Os Sonhadores (2003), Voando Sobre Um Ninho de Cucos (1975) e Uma História Simples (1999) são, de certa forma – como mais adiante se verá –, óptimos exemplos da emoção por “acções positivas”.
A propósito deste último, que David Lynch realizou como resposta à má crítica, lembro-me que houve um Festival de Cinema onde conheci duas pessoas e passávamos horas em longas conversas sobre a vida, sobre o mundo e sobre o Cinema. Numa dessas conversas, precisamente esse filme acabou por vir à baila... Extraordinariamente – e só depois de o terem referido é que eu o percebi – a reacção que os três tivemos à mínima referência do nome do filme – “The Straight Story – Uma História Simples” – foi de se guardar na memória para sempre: enquanto um começou a vibrar de entusiasmo, o outro levou-se para as lágrimas e eu fiquei com os olhos a brilhar (disseram-me). Foi incrível como o mesmo filme conseguiu produzir naquele momento três tipos de emoções em três pessoas diferentes: o entusiasmo, a compaixão e o saudosismo, atrevo-me a dizer. Foi extraordinária a forma como os três relembramos o filme e de como uma história tão simples, de um homem que percorre quilómetros com um corta-relvas para ver o irmão que está à beira da morte, consegue emocionar-nos tão avidamente. Foi um momento excepcional!

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-13T20:59:00.004Z

Parte [1] [2]

Parte 3/7

Se nos aprouver desenvolver um pouco mais o conceito da emotividade, eu diria que ainda é possível subdividir o tema em diversos níveis equitativos, tanto para a emoção por "acções negativas" como por "acções positivas". O estado emotivo tem várias fases. Pelo lado positivo, pode começar por um sentimento de empatia, crescer para a admiração, evoluir para a felicidade e culminar no lacrimejar. Analogamente, para o lado negativo, a emoção também pode começar a manifestar-se na empatia, a crescer para a surpresa ou para o anseio, que evoluí para o medo ou infelicidade, culminando num sentimento depressivo (com ou sem lágrimas).
Não obstante, estas duas situações são muito semelhantes e difíceis de explorar até porque qualquer emoção por "acções negativas" tem sempre por base um lado positivo: de forma a conseguirmos alcançar algum estado emotivo a partir de uma "acção negativa" é necessário nutrir algum sentimento positivo para com uma personagem, i.e., a morte/violação/rapto de uma personagem só nos vai emocionar se, previamente, o realizador nos incitou a gostar daquela personagem, caso contrário a "acção negativa" passa desprovida de qualquer emotividade.
Sendo assim, por serem situações que facilmente se confundem, o mais certo é limitarmo-nos a subdividir a emotividade em sentimentos que se manifestam muito subtilmente e que culminam em sensações profundas que fazem vir as lágrimas aos olhos, independentemente de estarmos a tratar de "acções positivas" ou de "acções negativas".

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-12T19:05:00.006Z

Parte [1]

Parte 2/7

É inevitável começar por distinguir, estabelecendo um ponto de partida, as duas faces que a emoção pode envolver num contexto cinematográfico, claro está. O acto de ficar emocionado pode não ser apenas a causa de uma "acção negativa". Uma "acção positiva" também adquire lugar no contexto emotivo e, como se compreenderá, tem uma posição altamente influenciadora nesse tema; se repararmos, é um facto que a emoção advém, na maior parte das vezes, de aspectos negativos, de acções que consideramos repugnáveis - "acções negativas" – e, em consequência de um acto, emocionamo-nos com maior ou menor facilidade consoante o poder (neste caso imagético) dessas acções. Para melhor compreender este facto, e porque já o devia ter feito antes, o que quis dizer com "acções negativas" e "acções positivas" não foi mais do que actos humanos, errados ou correctos; em termos práticos, associamos um "acto negativo" a um assassinato, a uma violação ou a um rapto. É certo que, quando assistimos a uma morte inesperada num filme ou numa série de TV, ficamos susceptíveis à emoção, especialmente se a essa morte for a de uma personagem por quem nutríamos especial afecto - já por isso é que muitos episódios de séries terminam com mortes inesperadas. Da mesma forma, ao assistir à morte de uma criança, ficcionalmente falando, o coração humano não aguentará toda pressão que esta consequência traz e creio piamente que o ser humano fica ainda mais susceptível à emoção nesta situação do que à morte de um qualquer protagonista: sendo uma criança um símbolo de inocência e de fragilidade, um ser que requer protecção constante, como não será possível, por mais frio que seja um coração, de não se emocionar com tal acção?; até porque crianças já todos fomos, já todos experimentamos e facilmente nos revemos naquela situação de impotência. Estes são os actos ou as "acções negativas". No fundo, é o conjunto de comportamentos negativos de uma pessoa que, de livre vontade, exerce uma acção que vai contra os princípios morais comuns, i.e., todos sabemos que é errado matar, violar ou raptar...
Em contrapartida, as "acções positivas" também são passíveis de gerar emoções, independentemente do que, à partida, possam pensar. Estas são acções que geram alegria, procuram causar impacto através de situações felizes: a cena de um primeiro beijo ou de um beijo romântico tão aguardado são "acções positivas" capazes de causar tanto impacto (entenda-se emoção) como uma "acção negativa"; tudo depende da forma como cada um de nós vê cada uma destas situações. Comparativamente, se a morte de uma criança pode ser considerada uma "acção negativa", então o nascimento de uma criança pode muito bem ser uma "acção positiva", especialmente se esse nascimento for uma acção tão religiosamente aguardada por duas personagens que se amam incondicionalmente.
Há que entender e esclarecer esta dualidade básica da emoção: não basta ir contra os nossos princípios para nos causar impacto; às vezes, o sentimento mais puro, um afecto, um carinho e um pequeno gesto são actos tão poderosos que nos levam ao exponencial da emotividade. Como se compreenderá, é óbvio que no Cinema não é só o espectador quem trabalha para atingir o estado emotivo; grande parte dessa responsabilidade, senão mesmo toda, cabe ao realizador que está por detrás de cada acção exposta. Com efeito, uma "acção negativa" pode não causar o impacto desejado no espectador, assim como uma "acção positiva" pode não passar de um frete a que não associamos qualquer tipo de sentimento emotivo. São situações que estão excessivamente relacionadas entre si e só em alguns casos acabam por funcionar correctamente.

Cinema e Emoção: um breve ensaio

2010-01-10T02:06:00.006Z

Parte 1/7

A emotividade que subsistia nessa conversa leve e improvisada provinha também de uma convenção: provinha destas lágrimas que banhavam, que alagavam as vulgares palavras de todos os dias.

Boris Pasternak
in "O Doutor Jivago"

Sensibilidade.
É, muito provavelmente, a palavra-chave inerente a qualquer divagação que aborde, ainda que ao de leve, a emotividade. Está dependente de cada pessoa, não pode ser alterada nem imposta, ou se tem ou não se tem - por mais cruel que possa ser, não há outra maneira de o dizer –, é uma característica tão associada a um ser, de tal forma inexplicável que chega a ter vários meios (ou métodos) de manifestação, uns mais expressivos que outros, evidentemente.
Talvez não serei a pessoa mais indicada para falar sobre o assunto nem sei se terei a capacidade de abordar decentemente o tema que aqui proponho, conseguindo atingir algum resultado, uma conclusão, que a muitos pode também dizer respeito, mas vou procurar munir-me das minhas experiências, das vivências, do (pouco, talvez,) que conheço do Cinema e da sua história e tentar explorar esta relação tão afectiva entre o Cinema, na sua forma de criação, e a Emoção, na forma do sentir. Muito ficará por dizer, com toda a certeza, muito poderá ainda voltar a ser discutido, por isso não entendam este exercício como uma verdade legítima; entendam antes como uma opinião pessoal, uma justificação, quiçá, da minha parte, uma forma que encontrei para poder reunir algumas ideias, assentar alguns conhecimentos e, acima de tudo, explorá-los e relacioná-los tanto quanto conseguir.
Como compreenderão, abordar um tema tão vasto como este terá as suas dificuldades óbvias. A aplicação prática do que aqui pode ser dito, além de difícil, acabará por se tornar muito vaga; todos os filmes, de uma maneira ou de outra, servirão como exemplo para as questões que aqui vou abordando porque todo o Cinema se enquadra na questão da emoção: um filme que não seja emotivo dificilmente pode ser considerado como filme (no sentido de obra cinematográfica), porque o Cinema é uma materialização da emoção. Desta forma, compreenderão que as escolhas cinematográficas com que vou ilustrando e exemplificando as minhas ideias podem não ser as mais felizes, mas serão certamente as que eu considero mais eficazes para me fazer compreender, i.e., não entendam as escolhas como o desfilar dos filmes mais emotivos ou menos emotivos com que fomos confrontados ao longo da história do Cinema, entendam antes como um conjunto de filmes que contêm uma cena ou que se baseiam num facto que considero fundamental para a compreensão das minhas opiniões.

O orgulho

2010-01-09T12:11:00.005Z

Finalmente, Portugal deu um grande passo - a ver se agora sua Exª, o Sr. Presidente da República, não deita tudo por água abaixo -, um passo maior do que qualquer TGV ou Aeroporto, um passo em prol da igualdade.
Estavamos no Porto, o ano passado, em plena parada gay na Avenida dos Aliados, quando vejo um mãe exibindo uma t-shirt onde se lia "tu não sabes, mas o meu filho é homossexual". Isto, sim, é amor. Passavam poucas horas depois da aprovação na Assembleia da República e já eu estava a receber um convite para um casamento homossexual. Isto, sim, é entusiasmo!
Embora a satisfação não seja total, já se antevia a propósito do problema da adopção, o caminho tomado faz algum sentido. Fala-se em hipocrisia, com toda a verdade, porque é disso que não passa - se um homossexual solteiro pode muito bem recorrer à adopção em nome individual, então de que serve um casamento aprovado se a constituição da família estiver restringida? Digam o que disserem, é incompreensível. Lutemos, então, por essa causa que não faz, sequer, sentido pôr e causa! E lutemos contra essa discriminação depravada e insensível que os vitima descontroladamente. Para mim, não há quaisquer diferenças entre hetero e homossexualidade; o que há são apenas duas pessoas que se amam e têm uma vontade em comum. Quem tem amigos homossexuais deve compreender bem aquilo a que me refiro, mas acho que há muita gente com medo de ser obrigada a casar com um homossexual por causa da aprovação da lei. Valha-nos mais esta se cada um não for livre de optar e de casar com quem quiser e bem entender. Valho-nos, pois!

2009 despede-se...

2009-12-30T23:30:00.002Z

E para que o ano acabe em grande, ou para que o 2010 comece ainda melhor, deixo-vos, muito provavelmente, a música que mais me marcou este ano.

Tenham um excelente 2010!

Então é Natal!

2009-12-23T09:35:00.000Z

Já lá dizia o outro, não importa agora quem, mas com toda a razão. Na rua, o frio, agradável e apetecível, convida-me a dar um passeio e faço-o porque há muito que não tenho esse prazer. Divago-me, delicio-me, deixo-me seduzir pelas milhares de luzes que à minha volta se espalham, vermelhos e dourados de ocasião, ouço a banda sonora do momento, que nesse momento é também a minha banda sonora, e aprecio o panorama, cinematográfico, materializado mesmo à minha frente.
Então é Natal. E as pessoas, outras, como eu, que apenas ali estão pela vontade de ver, não as encontro...; levam os filhos, carregam sacos, embrulhos, consumos propícios, claro, saudáveis. Vejo-as a serem elas mesmas, pessoas, transeuntes, consumidoras, mães, pais, avós. Carros que também se passeiam pelas ruas de luz e distraio-me neste corropio, se assim o pode ser dito, não fosse o espírito que nos envolve, quase atropelado por um desses condutores, compreensíveis.
Então é Natal. É, pois. Vê-se e sente-se na lareira de sapatinhos pendurados, na árvore composta de luz e cor, nos presentes empilhados e enfitados voluptuosamente. No cheiro a neve, a velas acesas, a azevinho decorado, a luvas calçadas. Nos cânticos angelicais das ruas, no tilintar das moedas doadas ao mendigo, nos sinos casamenteiros das igrejas...
Então é Natal! Enfim, votos de um feliz Natal.

"As Horas"

2009-12-14T23:02:00.004Z

No "Cineliterário"
18 de Dezembro - 21h30

As Horas, de Stephen Daldry, a partir do livro de Michael Cunningham.

Três eras, três histórias e três mulheres sem ligação aparente, sem a noção de que apenas uma obra singular e poderosa pode mudar-lhes a vida. O livro é "Mrs. Dalloway", a excelente novela de Virginia Wolf. As mulheres são Virginia Wolf, a própria autora, Laura Brown, um mãe e esposa que vive em L.A. no final da 2ª Guerra Mundial e que através da leitura de "Mrs. Dalloway" pode mudar a sua vida para sempre, e finalmente, Clarissa Vaughan, uma versão actual de Mrs. Dalloway, que vive em Nova Iorque e está apaixonada por um poeta brilhante, doente de Sida.

No Auditório da Biblioteca Municipal Camilo Castelo Branco (V. N. Famalicão)
Sessão moderada pela Dra. Cláudia Sousa Dias.
Convidada especial, Dra. Maria do Rosário Fardilha, vizinha internauta do blogue Divas&Contrabaixos

Smile

2009-12-11T19:00:00.001Z

A Little Night Music

2009-12-09T20:33:00.006Z

Estreia no próximo Domingo, 13 de Dezembro, a primeira reposição de um dos maiores musicais de Stephen Sondheim na Broadway Nova Iorquina, A Little Night Music. Desta feita, Catherine Zeta-Jones no papel de Desiree Armfeldt e Angela Lansbury como Madame Armfeldt, prometem um dos maiores sucessos de sempre com este musical vencedor de 6 Tony Awards - incluindo Melhor Musical - sob encenação do igualmente galardoado e veterano Trevor Nunn.

ISNT'S IT RICH?

Consultem o site oficial para outras notícias e a página do facebook para fotos do espectáculo e muito mais!

E aqui fica um mimo para os fãs de "Send In The Clowns", Judy Collins, com Russel Walden ao piano, na Casa das Artes de Famalicão

A palavra

2009-11-26T19:13:00.019Z

Caiu sobre mim a multidão em sombra. Impossível contar-te do mal que em mim habita. Uma e outra vez a sinto, essa palavra escondida, secreta, maldita. Magoado no intento, procuro justificação na tuas acções, ou reacções. E escuto-te, atento-te e envergonho-me quando me dizes que não passa disso, essa palavra custosa de ouvir, mas real.
Carga sofredora. Imunda estupidez que me rodeia e me envolve. Uma e outra vez, farto dos meus lamúrios, caio na desgraça que me é devida e choro, e choro desconsoladamente por ti. Mártir dos meus sentimentos, ou pensamentos, de quem verdadeiramente sou, estagno e perco-te na imensa absorção da minha solidão. Encontro-te, contudo, naquela palavra que não me larga, descola, desprega.
Continuas aí, tu, sempre tu, só e unicamente tu. Igual ao que sempre foste, tens sido e ao que serás, porque vejo-te assim, a tua singularidade emotiva, afectiva. Urges na dissipação, completa, das amarguras proferidas, dirigidas, a mim talvez, se assim o dizes. Mais ainda, na preocupação remota dessas palavras, procuras a redenção onde ela já não existe. E eu digo-te que sim, sim, sim, envolto naquele medo assombrado por uma rude palavra que jamais ouso dizer, porque assim me impeliste.
Conto-te agora, a ti e a mais alguém, a quem assim o desejar, deste mal estar. Infortúnio, direi, dirás, quiçá. Uma e outra vez, se assim o precisar, conto e reconto a nossa história, esta, assim o verás. Medo, talvez, anseio, talvez mais, por essa palavra, palavrinha miudinha, mesquinha, que deu azo a quem agora sou, a quem somos, não? Escondida nos cantos, recantos, deste conto que agora conto.
Conseguirás tu, quem mais senão tu, desvendar essa palavra recusada, excluída do meu vocabulário, dicionário. Intenta, ousa, usa, abusa disto que te digo. Uma e outra vez envolve e revolve, continuamente, compassadamente, como isto que te mostro, envergonhadamente. Mergulha nas frases, palavras, letras, porque admiti-lo está fora das minhas capacidades, liberdades que não sinto, limites que me prendem. Escuta-me, atenta-me, esta é a minha redenção, perdão, escondido, recolhido, mas à frente, de ti, de mim, simplesmente, sinceramente.

J.L.

Um dia

2009-11-23T21:25:00.002Z

Um dia serei.
O quê? Não sei.
A lágrima que hoje sou,
a sombra.

Um dia serei.
Sim! Mas não sei.
O vazio que hoje sinto,
a saudade.

Um dia, eu sei,
sei o que serei.
A tua juventude,
o teu eu.
A mentira que hoje sou,
a máscara que uso.

Serei teu, um dia,
eu sei!

J.L.

Arte Projectada

2009-11-01T17:39:00.003Z

Um espaço de divulgação, produção e formação em fotografia, vídeo e cinema.
A acompanhar pelo blogue Visões do Cinema.

Entrevista sobre o Fast Forward Film Festival

Os Rostos do Cine'Eco 2009:

2009-10-28T15:14:00.004Z

"Negócio do Diabo" no Fast Forward Film Festival

2009-10-26T10:24:00.007Z

in Notícias FEUP

Estudantes da FEUP vencem festival de cinema

"Negócio do Diabo" é a curta-metragem vencedora do Prémio do Público

"O Bondoso em Série: de boas pessoas está o inferno cheio!" - este foi o mote sorteado pelo grupo de estudantes da Faculdade de Engenharia da Universidade do Porto (FEUP) para a edição do Fast Forward Portugal Film Festival 2009, que decorreu no passado fim-de-semana (dias 16 e 17 de Outubro), no Theatro do Circo, em Braga.

Os estreantes Bruno Teixeira, Hélder Magalhães, Lino Marques, João Ruivo e Manuel Azevedo, estudantes de engenharia civil, arrecadaram o Prémio do Público com a curta-metragem "Negócio do Diabo". O prémio, uma máquina de filmar Toshiba Camileo HD, foi bem recebido por todos os elementos da equipa que se destacou entre os 30 trabalhos apresentados a concurso.

O Fast Forward Portugal - Film Festival é um festival de curtas-metragens organizado pela cooperativa cultural Velha-a-Branca em que os concorrentes são convidados a realizar um filme em menos de 24 horas. O filme em formato digital deverá ter até três minutos e respeitar o tema entregue no início da prova a cada equipa. Partindo do tema, cabe às equipas escrever, filmar e editar o trabalho final até ao dia seguinte. A exibição dos filmes das várias equipas e a escolha dos vencedores será feita nessa mesma noite.

O festival Fast Forward nasceu em Chicago nos EUA e realiza-se actualmente também em Dublin (Irlanda) e em Braga. A 4ª edição do Fast Forward Portugal Film Festival contou com a inscrição de 50 equipas, embora apenas 30 tenham conseguido cumprir todos os requisitos da prova e participar no concurso.

Mais informações em http://www.fastforwardportugal.com/fastforward/

Fast Forward '09 - Vencedores

2009-10-19T12:42:00.002+01:00

FAST FORWARD PORTUGAL 2009
CURTAS PREMIADAS

PRÉMIO MELHOR FILME- FILME 19 - Maçã maçã
PRÉMIO DO PÚBLICO – Filme 2 - Negócio do diabo
PRÉMIO CRIATIVIDADE – Filme 8 - Asneira
MENÇÃO HONROSA – Filme 10 – O regresso dos que nunca foram
MENÇÃO HONROSA – Filme 22 - Ferramentas inúteis em movimento
MENÇÃO HONROSA – Filme 29 – Maldito mensageiro

Ceci n'est pas un film. em grande!!

Estilo "tu ain uóne"

2009-10-14T23:41:00.000+01:00

Nos próximos dias 16 e 17 de Outubro decorre em Braga o Festival "Fast Forward", cujo objectivo é a realização de uma curta-metragem em 24 horas até 3 minutos de duração e subjacente a um tema sorteado! Este ano, o júri do festival é constituído pelo realizador Tiago Guedes, Adolfo Luxúria Canibal e João Moreira.
Atentem no grupo "Ceci n'est pas un film." do qual eu faço parte!!

Além disso, a 17 de Outubro tem também início mais uma edição do "Cine'Eco", em Seia na Serra da Estrela, que se prolonga até ao dia 24. Nesta 15ª edição do Festival Internacional de Cinema de Ambiente da Serra da Estrela estarei presente como júri da juventude, tarefa que já havia experimentado e que me agradará muito voltar a repetir.

Não percam nenhum destes festivais, porque eu... também não! :)

2009-10-13T10:10:00.006+01:00

O FEITICEIRO DE OZ

2009-10-10T12:26:00.003+01:00

A não perder o novo musical de Filipe La Féria que estreia hoje, às 15h, no Teatro Politeama em Lisboa!
Muita m*rda para todos!!!

A Little Night Music

2009-10-03T23:02:00.006+01:00

Pela primeira vez, o musical "A Little Night Music" vai ter a sua reposição nos palcos da Broadway!
Baseado no filme "Smiles of a Summer Night" (1955) de Ingmar Bergman, o musical de Stephen Sondheim, escrito por Hugh Wheeler, teve a sua estreia em 1973 na Broadway e em 1974 no West End.
Esta reposição, encenada por Trevor Nunn, conta com um elenco que promete fazer sucesso, com Catherine Zeta-Jones e Angela Lansbury nos principais papéis. O site oficial pode ser visto aqui, já com bilhetes à venda (para carteiras gordas).

Isn't it rich?

No dia mundial da música...

2009-10-02T20:12:00.001+01:00

Amália
1920-1999

CINEMA: Sacanas Sem Lei - Inglorious Basterds

2009-09-04T01:56:00.011+01:00

Não vai há muito tempo quando torci o nariz ao saber que Quentin Tarantino preparava um novo filme, dizia-se sobre a II Guerra Mundial, apenas porque não é um tema que facilmente associemos à estética do realizador. Mas nunca melhor do que esperar para ver o resultado final - julgar as coisas pela sua aparência, um livro pela capa ou, neste caso, um filme pelo cartaz nunca dá bom resultado. A prova disso chegou às nossas salas, um grupo de Sacanas Sem Lei cujo único objectivo é limpar o mundo de tudo quanto for nazi.
Mas, para que justamente se fale aqui de Inglorious Basterds/Sacanas Sem Lei o melhor é mesmo começar pelo inicio. E o inicio dá-se em 1978 com o filme Italiano Quel Maledetto Treno Blindato de Enzo G. Castellari que recebeu a tradução em Inglês The Inglorious Bastards - note-se que Tarantino prefere escrever Basterds, com "e" e não com "a" como ortograficamente estaria correcto. Haverá, apesar de tudo, muito pouco a referir neste ponto porque uma coisa pouco ou nada tem a ver com a outra. Desenganem-se pelo título, pela II Guerra como pano de fundo e pelo grupo de Americanos destemidos comum nos dois filmes. Não há intenção alguma de refazer o filme Italiano numa versão Americana, mas também não poderei dizer que o Basterds de Tarantino não poderá ter tido origem no Bastards de Castellari - apenas uma ligeira e saudável inspiração. Quel Maledetto Treno Blindato acontece em França, no ano de 1944, quando um grupo de soldados Americanos, uns sacanas fora de lei presos por mau comportamento, escapa do acampamento por causa de um ataque aéreo Alemão. Dirigem-se para a Suiça para salvarem a própria pele, mas pelo meio são interceptados e voluntariam-se para uma missão digna de heróis - infiltrar num comboio cheio de comandantes nazis e roubar uma maquineta qualquer ponta de gama. Posto isto, as dúvidas ficam mais do que esclarecidas: qualquer semelhança é pura coincidência. Será algo desse género. Castelleri tem os Bastards e Tarantino tem os Basterds.

Ao que me tenho apercebido, Sacanas Sem Lei tem sido seriamente criticado pela promoção do filme. Fala-se em promover o filme que não é e isto fica bem presente nos cartazes promocionais. A ideia não me deixa desconcertado, mas dou o braço a torcer quanto às críticas e à promoção do filme. Quem está a par da obra de Tarantino sabe que não pode contar com o óbvio. E isso basta. Sacanas Sem Lei não é um filme de Guerra. Muito menos terá influências em Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) ou em Full Metal Jacket/Nascido Para Matar (Stanley Kubrick, 1987) - quem não associa e compara facilmente o diálogo de Brad Pitt que se ouvia (e via) no trailer com o diálogo do Sargento Hartman do filme de Kubrick?
Sacanas Sem Lei - e digo isto com muita satisfação porque adoro! - tem influências claras em Sergio Leone. É um típico Spaghetti Western de Leone onde os cowboys são substituídos por soldados. Desde o primeiro instante que somos levados a tirar essa conclusão. O genérico, tanto o inicial como o final, e muito particularmente a Banda Sonora que os acompanha são bons indícios disso. Da mesma forma, acho curiosa a utilização de diferentes cores e fonts - tipos de letra - em diferentes fases do genérico - se não estou em erro, existem tipos de letra de outros filmes de Taratino, especialmente a de Pulp Fiction (1994) que me chamou à atenção. Além disso, há uma fabulosa cena inicial - o Capítulo I - que denuncia a vertente Western dos Sacanas. Repare-se que o filme começa com as palavras "Once Upon A Time..." (e depois complementadas com "in Nazi Occupied France"), precisamente as palavras que Sergio Leone utilizou para intitular o magnífico clássico Once Upon A Time In The West/Aconteceu no Oeste (1968) e, uma outra sua obra-prima - e um dos meus favoritos - Once Upon A Time In America/Era Uma Vez na América (1984). Além disso, o filme abre com uma cena que em muito remete para o inicio de Il Buono, il Brutto, il Cattivo/O Bom, o Mau e o Vilão (1966), também de Sergio Leone: um forasteiro - um coronel alemão - chega inesperadamente a uma região calma e desértica onde vive uma família, pede para falar a sós com chefe da família, o ambiente pesado, extremamente ponderado, os diálogos pausados e cada linha é proferida com desprezo e intimidação. A acompanhar as primeiras imagens do filme ficaram também as primeiras notas de Für Elise (de Beethoven) numa versão excelentemente westernizada.

E assim começamos, no ano de 1941, numa França ocupada pelas tropas nazis. Na pequena e desértica aldeia um produtor de leite é ameaçado pelo Coronel Hans Landa (interpretado por Christoph Waltz - vencedor em Cannes do Prémio de Melhor Actor neste papel) para denunciar o paradeiro de uma famíla Judia desaparecida daquele local. Mas o Coronel sabe-a bem, apelidado entre os seus de "Caçador de Judeus", um verdadeiro sacana nazi, dir-se-à, não há um que lhe escape, excepto a jovem e bela Shosanna Dreyfus (igualmente bem interpretado por Mélanie Laurent). Daqui somos levados para 1944, onde nos são introduzidos os verdadeiros Sacanas Sem Lei, liderados pelo Tenente Aldo Raine (Brad Pitt num dos melhores papéis que tem feito ultimamente), um grupo de Americanos sedentos por sangue nazi, espalham o medo por todo o território, recolhendo selvaticamente os escalpes dos soldados e oficiais alemães - não se fazem prisioneiros!
Três anos tinham passado e Shosanna reaparece em Paris, dona de um Cinema deixado pelos tios com sessões dedicadas ao cinema alemão da II Guerra Mundial. É interceptada por um jovem soldado, Fredrik Zoller (interpretado por um dos melhores jovens actores da actualidade, Daniel Brühl), cinéfilo e aficionado pelo cinema de G. W. Pabst que procura quase desesperadamente por um diálogo com a jovem e misteriosa rapariga. E então entramos numa história com duas vertentes cujo fim é o mesmo: eliminar nazis. Por um lado, os Sacanas trabalham afincadamente para levar à letra as palavras do Tenente Aldo e tecem uma emboscada para acabar com os oficiais de Hitler. Por outro lado, Shosanna, sob disfarce, e tendo em vista uma estreia Alemã do novo filme de Joseph Goebbels sobre o feito histórico de Fredrik Zoller - interpretado pelo próprio - de matar centenas de Judeus em escassos dois dias, procura um plano de vingança regozijando-se pela presença de tantos oficiais Alemães, incluindo o próprio Führer, numa sala que lhe pertence. E mais não digo porque o que conta é cada um dos bons momentos com que somos presenteados!
Fique-se ainda a saber que a estética a que Tarantino nos habituou continua marcada nesta sua grande obra, como de resto era bastante previsível. Fala-se dos planos apertados iguais aos de Sergio Leone - exímia fotografia de Robert Richardson -, da violência quase gratuita, do argumento ponderadíssimo repleto de frases chave e a Banda Sonora escolhida a dedo, muito ao estilo de Kill Bill (2003/2004), mas sempre com o gostozinho a Western Italiano. Se vale a pena? Claro que vale a pena, claro que é bom! É um Tarantino e um Tarantino nunca nos desilude.

"O Feiticeiro de Oz" em versão negra

2009-08-29T01:52:00.004+01:00

Não sei se me parece muito razoável, mas pelos vistos é mesmo verdade. Segundo o Guardian, a Warner Bros. está a preparar uma versão "dark side" do clássico musical "O Feiticeiro de Oz" de Victor Flemming, no qual a personagem principal - provavelmente interpretada por Dakota Fanning - será uma heroína ao estilo de Ellen Ripley da saga "Alien".

Como se não bastasse, o remake terá a acção transposta para a actualidade, implicando que Dakota Fanning será a neta da Dorothy, originalmente interpretada por Judy Garland em 1939.

"You've still got Dorothy trapped in an odd place," explica o co-produtor Todd McFarlane. "But she's much closer to the Ripley character from Alien, than a helpless singing girl."

Vamos esperar para ver no que dá...

Atenção, atenção!!

2009-08-27T21:16:00.007+01:00

AUDIÇÕES PARA BAILARINOS
NO TEATRO POLITEAMA

O Teatro Politeama está a realizar audições para Bailarinos para participarem nos seus musicais. A próxima audição é já na quarta-feira dia 2 de Setembro às 14 horas. É necessário levar roupa de Ensaio.
Para informações e inscrição os Bailarinos podem contactar o Teatro Politeama através do número
21 343 05 33

Novidades da Blogosfera...

2009-08-14T15:45:00.006+01:00

Há mais dois blogues para irmos acompanhando a par e passo cada actualização.

Um deles aposta nas novidades da reconstrução do velho Cinema Olympia para o novo Teatro Olympia, anexado ao Teatro Politeama, uma iniciativa de Filipe La Féria. Além de Teatro, a reconstrução do Olympia também traz em vista a Escola de Artes e Espectáculo que abrirá no andar superior do edifício. As novidades já são muitas e todas para acompanhar no blogue http://olimpiateatro.blogspot.com

A marcar presença na blogosfera, chega-nos Totó, o cãozinho da Dorothy, estrela do próximo espectáculo de Filipe La Féria a estrear no Teatro Politeama, "O Feiticeiro de Oz". Os ensaios já começaram e o Totó já está online para nos contar todas as novidades! A não perder no blogue http://ofeiticeirodeoz.blogspot.com

CINEMA: James Gray com "Dois Amantes"

2009-08-09T22:20:00.018+01:00

Ultimamente tem aparecido em algumas revistas e jornais alguns destaques e entrevistas a um novo realizador a propósito do seu último filme acabado de estrear nas salas de cinema portuguesas. Fala-se de James Gray e de "Two Lovers" - "Dois Amantes" - um saudável romance de teor dramático que em muito boa hora invade os nossos ecrãs ou não estaríamos nós a precisar de desenjoar de tanto blockbuster que por aí anda - ou não seria Verão, para que isso mesmo acontecesse. Mas, para não enveredar por esse caminho que, muito provavelmente, me levaria a referir o quão esmagados saem estes filmes quando estreados em simultâneo com obras medíocres como Harry Potter e o Príncipe Misterioso - um filme desinteressante, já sem graça, que não é mais que um desenrolar de acontecimentos sem ligação entre si, muito repetitivo e, pior de tudo, não faz justiça ao livro - ou outros filmes que só fazem sentido se estreados em televisão (telefilmes, portanto) como Hannah Montana: The Movie - que nada traz de novo à arte a não ser (muito) dinheiro para as produtoras e afins - o melhor é mesmo prosseguir ao que realmente aqui é preciso deixar bem claro.
James Gray nasceu em Nova Iorque (1969) e por lá se enquadram os seus filmes, ainda não muitos, mas certamente promissores. Ficou conhecido com o seu terceiro filme, "Nós Controlamos a Noite" ("We Own The Night" (2007)) em competição no Festival de Cannes que, além deste "Dois Amantes", foi o único a que assisti. Creio que não estejamos perante um autor ao nível de Paul Thomas Anderson ou mesmo Quentin Tarantino - repare-se que são todos da mesma geração - mas há que presentear, especialmente por este último filme, o trabalho que James Gray tem vindo a desenvolver como argumentista e realizador.
Ao que me tem vindo a parecer, Gray tem um particular cuidado com a música que se ouve ao longo do filme, não especificamente a Banda Sonora, mas principalmente aquela que interage directamente com a cena e com os actores. Quentin Tarantino também o faz, mas de uma forma ainda melhor que James Gray. Por um lado, Tarantino dirige uma cena que se destina a uma música; por outro lado, Gray escolhe uma música que se adequa - pelos instrumentos e pela voz - à cena que dirigiu. São formas de criação opostas mas ambas funcionam à sua maneira, se bem que eu me identifico mais com a cena a ser dirigida para uma música. Um excelente exemplo disso acontece precisamente em "Dois Amantes", onde James Gray, segundo li numa dessas entrevistas, precisava de uma música para uma cena num restaurante à beira-mar. Disse que um dia estava em Nova Iorque, num restaurante, e de repente ouve, em música ambiente, uma voz e umas guitarras que lhe chamam a atenção. Cantava a Amália Rodrigues o fado "Estranha Forma de Vida". Um feliz acaso que levou de imediato à escolha desse grande Fado para a cena no restaurante à beira-mar. O que diria desta cena - e esta é provavelmente a única crítica que faço - é que só seria melhor se James Gray conseguisse perceber o que é o Fado (o próprio disse que até então desconhecia este género musical), se percebesse o significado da palavra saudade e se soubesse/percebesse a nossa identidade como lusitanos. Aí sim, teríamos uma deslumbrante cena ao som de Amália. Acontece que, muito simplesmente, o fado quase passa despercebido aos ouvidos de muitos portugueses, sem sombra de dúvida. Não é mais do que uma mera música ambiente, bem lá ao fundo, espreitando de quando em vez uma reconfortante voz que grita "que estranha forma de vida"... A cena não tem o ritmo exigido pelo Fado, não tem a densidade da alma lusitana, mas no entanto acaba por funcionar razoavelmente bem em termos musicais. Temo que o desaproveitamento de um Fado com tanto sentido fique perdido pela cena à beira-mar e, sendo assim, não deixa de ser mais do que um mero preciosismo de enquadramento musical - mas bem sei que essa não era a intenção do realizador. O que mais haverá a referenciar, compete a cada um.
"Dois Amantes" retrata uma paixão e as muitas acrobacias que a envolvem, mas desde cedo que põe de parte a ideia de comédia romântica. É um drama e nada mais que isso. Parte de uma acção excessivamente real e com a qual muitos se identificam: desesperado da vida, sem perspectivas futuras e depois de um casamento muito dolorosamente acabado, Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix), é apresentado a Sandra Cohen (Vanessa Shaw) uma jovem rapariga, apaixonada secretamente por Leonard e filha de um magnata das lavandarias nova-iorquinas, um negócio já partilhado pelo pai de Leonard. Um futuro entre os dois seria brilhante. Ela ama-o incondicionalmente e as empresas das famílas acabariam por se fundir, criando uma cadeia de lavandarias espalhadas por toda a idade de Nova Iorque. Os interesses começam a sobrepor-se aos sentimentos. Mas, tudo seria mais fácil se, num acaso (feliz), Leonard não travasse conhecimento com a sua vizinha Michellle (Gwyneth Paltrow), uma jovem e bela rapariga que alimenta uma preocupante relação com um homem casado. Ao aperceber-se das fragilidades da relação de Michelle, Lenoard não tarda com a sua investida para a conquistar, não querendo simultâneamente desfazer-se do amor que Sandra nutre por ele. E assim é "Dois Amantes", que na verdade são três, um quase inevitável triângulo amoroso onde Leonard se encontra bem no centro da acção. Só a ele cabe a decisão. Optar pelo que o coração sente ou pelo que é melhor para todos. E quanto a nós, cabe-nos esperar e deixarmo-nos envolver por uma bela história, bem filmada, bem dirigida, bem interpretada e de uma verdade profunda.

Excertos...

2009-08-09T20:49:00.002+01:00

- Não posso dar pormenores, mas teve a ver com qualquer coisa nos olhos dele.
- Ah sim, você é muito sensível com os olhos... como o seu pai.
- Ele também? Não me lembro disso.
- Suponho que seja bastante natural para um artista preocupar-se com os olhos; mas nos últimos dez anos de vida, o seu pai tornou-se obcecado... sim, é a palavra: obcecado com a cegueira.
- Com a ideia dela?
- Não, não, com ficar cego. Estava certo de que lhe iria acontecer.
- Não sabia.
- O meu pai tentou meter-se com ele para lhe tirar a ideia e disse-lhe que, se não tivesse cuidado, arranjava uma cegueira histérica. Francisco ficou aterrorizado com a ideia - disse o Dr. Fernando. - Mas... Javier... estamos aqui para falar de si. Para mim, está a sofrer sintomas clássicos de stress.

(...)

- Todos sofremos - disse o Dr. Fernando. - Os espanhóis, e não apenas os sevilhanos, ultrapassam os problemas através de... la fiesta. Falamos, cantamos, dançamos, bebemos, rimos e fazemos a festa noite após noite. É a nossa maneira de lidar com a dor. Os nossos vizinhos, os portugueses, são muito diferentes.
- O seu estado natural é estarem deprimidos - comentou Falcón. - Cederam à condição humana.
- Não acho. São melancólicos por natureza, como os nossos galegos. Afinal de contas, têm de se confrontar quotidianamente com o Atlântico. Mas são muito sensuais também. É um país que cometeria suicídio se acabassem com o almoço. Adoram comer e beber e gozam a beleza das coisas.

(...)

in O Cego de Sevilha, de Robert Wilson
Publicações Dom Quixote

Dorian Gray

2009-08-09T19:28:00.005+01:00

A partir da obra-prima de Oscar Wilde, "O Retrato de Dorian Gray", e após inúmeras adaptações cinematográficas e televisivas, chega em Setembro deste ano, dia 9, a nova adaptação do extraordinário romance, desta vez pelo olhar do realizador britânico Oliver Parker.
O trailer já anda cá fora:

2009-07-27T20:20:00.004+01:00

Eis aqui um excerto de uma mensagem de apreço que me enviaram há uns dias atrás pelo youtube.
O comentário, feito ao meu trabalho, foi particularmente comovente ou não teria "caído do céu", assim sem mais nem menos...
Bem sei que isto é, muito provavelmente, mais fogo de vista do que outra coisa qualquer, mas não deixo de ficar contente com o apreço e afecto demonstrado.

The Human Being Love, The True Love!
The True Human Being Wisdom!
The Human Being Intellect is far beyond human death and life!
Only the True Love and True Wisdom on CREATION LAWS are...
Our True and Unique Treasures in our Life, material lives!
Only when Earth man discovers by him or her self about
The great and wonderful true truth of
THE REALITY OF A TRUE HUMAN BEING on UNIVERSE...
Only then the LIFE, his or her life will change, will begin for better,
Through an amazing and astonishing path and great evolution way for
Every single man and woman on this primitive, naive and innocent
human mass on our beautiful and lovely mother EARTH!
(...)
Thank you so much for posting and sharing with us this your amazing and great Art-Musical work from this beautiful song and people performance.
This is awesome.
(...)
You are very welcome to me, to my life on Creation Laws.
You do not need to thank me.
The entire contrary, all of us, which we have enjoyed your beautiful video.
We have to thank you for your generosity in sharing such a wonderful
Presentation. An awesome visual and musical art-creation.
I can only tell you that your video has inspired me to
Write the commentary that you have remarked.
Every wonderful moment of Creation,
Every moment of true Inspiration,
In a particular human circumstance or situation,
It is unique.
It is a true moment of love and wisdom.
And you, as a true and sensitive human being,
You have recognized my words of wisdom,
At your wonderful INNER TRUE BEING,
YOUR MARVELOUS AND POWERFUL HUMAN CONSCIENCE.
Warmest greetings from your friend,

Javier V. Maldonado
Alliance for Responsible Humankind on Earth & Universes
The Prometheus Project on Creation Laws!

Feira Medieval 2009

2009-07-26T02:09:00.003+01:00

Vídeo de apresentação da Feira Medieval de V. N. Famalicão que decorreu no passado mês de Maio. A organização coube, como já é usual, à Escola Profissional CIOR e à Câmara Municipal de V. N. Famalicão. A documentação do evento ficou a cargo da Cláudia Sinto e da Beatriz Andrade. A montagem do vídeo é minha: